中國臺灣當代藝術家蔣友柏：在單色里活成彩色，讓作品與觀者共生

當藝術的表達愈發多元——有人在色彩的絢爛里尋找共鳴，有人卻在單色的極致中探索自我。蔣友柏，這位40歲才踏入純藝術領域的創作者，始終以獨有的節奏解構藝術、對話時代。

2026年，中國臺灣當代藝術家蔣友柏攜2026 年度計劃全國首展“萬物有靈 | 萬像”亮相成都。在3月14日開展前夕，蔣友柏接受了川觀新聞記者的專訪。這一次，他以工業材料為墨，以東方寫意為骨，在蓉城的藝術語境里，講述關于自我、時代與藝術共生的思考。

川觀新聞記者（左）對話蔣友柏（右）

01

四十而立入行

不斷檢驗自我能力

蔣友柏的藝術之路，起步于不惑之年。“全世界比較知名的藝術家，一輩子到70多歲辦展400多場，我40歲才出來，是不是要先趕20年的展數？”這份直白的自問，成為他近年密集辦展的核心動因。

在他的藝術規劃里，辦展從來不是簡單的作品陳列，而是自我精進的試煉與專業的驗證。“第一個好處是讓我借著這個目標不斷精進，另一個是接觸的觀者、機構越多，越清楚自己是不是塊料，能不能在藝術專業里立足。”

“趕進度”的背后，是極致的自我要求：“我的展覽每一次都是新的作品，基本上不會出現舊作品，沒有新作品我就不展覽。”于他而言，每一場展覽都是一次自我挑戰，拒絕巡回式的作品展示，只為讓觀眾看到當下最真實的創作狀態，也讓自己在不斷的創作中，觸摸藝術的本質。

將大陸作為展覽的核心陣地，源于他最樸素的創作觀：“我不喜歡飛行，歐洲的邀約也有，但都沒說服自己。更重要的是，在自家都沒做好的事情，跑去國外干什么？”這份扎根本土的堅守，讓他的作品始終與當下的土地、人，保持著深度的聯結。

02

AI是對話者而非替代者

不可復制方為藝術

當AI視覺大模型席卷創作領域，傳統藝術的邊界被不斷試探，蔣友柏的態度，清醒而開放。

他坦言，自己每天的工作，都有一件事：“看AI能不能畫出我的畫，目前還畫不出來。”這并非對新技術的排斥，而是對自身創作獨特性的篤定。在他看來，AI的價值，不在于替代創作，而在于成為創作的對話者：“我會用AI，但用法和別人不一樣，我可以把所有已存在的藝術家都叫出來對話，和梵高對話，和達利對話，它輔助我去思考藝術創作。”

而在工作室的數位影像創作中，AI早已成為重要工具：“3年前就開始大量使用，它把很多技術門檻降低，成本門檻降低，效應完全提升，這在數位藝術里非常重要。”但他始終保持著對藝術本質的思考：“如果現在你沒有辦法拍出AI做不出來的影像，那攝影算不算是藝術？”

在他的認知里，藝術的核心，在于不可復制的獨特性：“我認為，如果可被復制的，就不叫藝術。”面對AI帶來的沖擊，他毫無焦慮，反而樂見其成：“它會讓大家重新去思考，今年我給自己最重要的課題，就是思考要成為什么樣的人，怎么活成一個人。”

這份對“人”的堅守，成為他對抗技術同質化的核心底氣。

蔣友柏

03

單色是烙印

亦是活成彩色的起點

本次成都展，蔣友柏以單色為核心創作系列，這組被他定義為“孤品”的作品，背后是他對人生、自我的深度解構。“我之前就做過單色系列，但這次變成展覽，短期內應該不會再這樣創作，困難度太高。很多作品在創作時，因為媒材、光澤率的問題，我真的不知道自己在做什么，只是憑感覺去做。”

選擇單色，并非對色彩的舍棄，而是對自我本質的回歸。“每一個人出生，就會有自己的顏色，隨著社會的教育、結構、階級，這個顏色會越來越固定，這是不可避免的。但不表示，用這個顏色就活不出彩色。”蔣友柏直言，自己也曾想過掙脫與生俱來的“顏色”，但最終發現，“這是一個烙印，而烙印也沒有什么不好，它就是你為什么獨特的原因。”

為了讓這份單色的表達擁有更長久的生命力，蔣友柏大膽運用工業材料創作：“除了設計師的背景，我喜歡探討復合式媒材，這些作品耐到用水潑、酒精潑、火燒，3分鐘內都沒有問題。”他打破傳統藝術作品“嬌貴”的桎梏，讓藝術走進日常：“我希望大家接觸它，而且它越曬層次越多，陽光的顏色會讓它的紋路、色彩發生變化。”

在他看來，工業材料的運用，亦是對當代藝術的深度詮釋：“大陸的工業非常強。工業，能不能夠變成藝術？所有的當代藝術，都是用當代的材料在做，我就在思考，我的當代是什么。”這份思考，讓他的創作既有東方美學的內核，又有當代的時代印記。

04

作品是畫框

觀者才是最后一筆

“我的作品絕對不是一個完成品，永遠都只是一個畫框。觀者，才是我作品的最后那一筆。”這是蔣友柏始終堅持的創作理念，也是他的作品充滿生命力的核心原因。

在他的眼里，作品一旦誕生，便有了自己的命運，創作者無需過度左右：“你覺得它是什么，它就是什么。”所以他常說，自己的作品回到藏家的家中，會與他們產生持續的對話，成為生活的一部分。

這份對觀者的尊重，源于他對藝術價值的理解：“我要求自己在創作的時候，要表現的是正向的感覺。我沒法接受回到家看到一幅畫，每次看到都覺得人生毀滅了。就算他是再好的藝術家，我也沒有辦法把它放在家里。”在他看來，藝術的終極價值，是滋養生活，而非制造焦慮。

本次展覽中，反復出現的動物形象，是蔣友柏對人心、對時代的投射，“動物不再是動物，它是一種人性的投射，一個時代的鏡像。每一幅作品，都是我對當下的人和社會的映照。”其中的“猩龍”形象，更是他的自我寫照——猩猩與龍的結合，既是他屬龍的身份印記，也是他對人生不同階段的反思。

05

結緣成都

未圓的大熊貓夢藏著創作的期許

成都，是蔣友柏藝術之路上的重要坐標。早在2019年，他曾來蓉做設計演講，太古里的“上下茶室”的設計出自其手；2021年的成都雙年展，也有他的作品。“成都是舒服的”是他對這座城市最直觀的感受。

在這份緣分里，藏著一個未圓的心愿——大熊貓。“最早來大陸和父親去北京，小時候想看大熊貓，以為國寶一定在北京，結果沒有。長大了，來成都做設計師論壇，才知道成都有這么多大熊貓，做上下茶室時還做了大熊貓的動畫。之前雙年展沒看成，這次來也沒時間看。”

這份對大熊貓的執念，背后是他的創作期許：“大熊貓是最國際的動物，又黑又白又亞洲，全世界的大熊貓，代表的都是快樂。”他坦言，自己早年間曾創作過一幅9米的《熊霸天下》，畫了88只大熊貓，“用白描的手法，用油漆在做，到目前為止都不拿出來展，因為我知道自己畫不出來了，回不到那個狀態。”

此次來到成都辦展，讓他對這座城市的藝術氛圍有了新的期待：“館長真的很用心，我的作品沒辦法用常態的方式呈現，他還在不斷調整，希望讓作品的美更好地展現。”他直言，麓湖A4X藝術中心的沉浸式人文景觀，讓他看到了藝術與空間融合的更多可能。

蔣友柏

06

藝術的本質是融合與分享

而非對立與割裂

在蔣友柏的藝術理念里，融合，是永恒的關鍵詞。無論是東西方文化的融合，還是不同藝術家之間的融合，亦或是藝術與生活的融合，都成為他創作的重要底色。

本次成都展，他與楊加勇、陳曉東兩位藝術家共創，“從去年5月北京展開始，這會是我以后每一場展都會做的事。”在他看來，藝術應該帶給人的是美好的東西。”他希望打造一個融合的藝術平臺：“我的也是你的，你的也是我的，你可以在我上面隨便畫，我可以在你上面隨便做，這才是藝術的本質，它沒有絕對的對或錯，但有絕對的分享。”

有人說他的作品有著西方式的大開大合，他表示，從小受大寫意藝術的熏陶，讓他的作品根深蒂固地帶著東方的內核。這種融合，不是簡單的拼接，而是深度的“縫合”：“我的腦中隨時有兩種語言與世界并存，東方與西方。所以當我用英文思考的時候，其實寫出來的是中文；用中文思考的時候，寫出來的是英文。我的話，是一種縫，把東與西縫在一起。”

07

五十知天命

活在當下便是最好的創作

即將邁入50歲，但蔣友柏身上看不到對年齡的焦慮，反而有著超越年齡的活力。他打趣說，“把每一天都當作第一天來活。”

蔣友柏坦言，自己從來不會去考慮未來：“你當下沒有活，未來來了有用嗎？你當下沒有活好，就算明天怎么樣，又有什么意義？”而人生的美好，在于每一個當下的體驗、每一次與世界的聯結。

從設計師到藝術家，從商業領域到純藝術領域，蔣友柏的每一次轉身，都帶著破釜沉舟的勇氣，也帶著對自我的深度探索。他以單色為底，活出了人生的彩色；以作品為框，邀請每一個觀者共同完成藝術的創作；以融合為核，在東西方文化的碰撞中，尋找當代藝術的本土表達。

此次成都展，是他藝術之路的又一次全新探索。關于藝術、關于自我、關于時代的思考，他仍在繼續。正如他的作品，永遠未完待續，永遠在與每一個當下的人，產生新的共鳴。

記者手記

蔣友柏的藝術，從來不是高高在上的精英表達，而是扎根生活、關照人心的真誠創作。他用工業材料打破藝術邊界，用單色創作詮釋自我本質，用開放的心態擁抱時代變化，最終讓藝術成為連接自我與他人、連接傳統與當代、連接生活與美好的橋梁。

在蓉城的春日里，這場“萬物有靈 | 萬像”的展覽，不僅是蔣友柏的藝術表達，更是一次邀請，邀請每一個觀者，在單色的世界里，看見自己的彩色；在藝術的畫框里，寫下屬于自己的那一筆。

來源：川觀新聞記者 肖姍姍 攝影 向宇

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