讓繪畫重新開始 | 瑪西婭·哈菲夫（Marcia Hafif）

藝術(shù)家瑪西亞·哈菲夫（1929——2018）

編者按

在繪畫被宣告“死亡”的年代，藝術(shù)家瑪西婭·哈菲夫（Marcia Hafif）以近五十年的沉默與專注，為這一古老媒介重新贏回了尊嚴(yán)。1978年，她在《藝術(shù)論壇》（Artforum）發(fā)表《重新開始》（Beginning Again）一文，預(yù)言抽象繪畫將步入“綜合階段”；此后半生，她以近乎苦修的姿態(tài)沉浸于單色繪畫創(chuàng)作，反復(fù)觸摸圖像語(yǔ)言的基本結(jié)構(gòu)。

然而，這樣一位在“繪畫已死”的喧囂中堅(jiān)守核心價(jià)值的踐行者，大半生卻鮮少獲得機(jī)構(gòu)關(guān)注。直到晚年，她才被重新發(fā)現(xiàn)：1990年作品呈現(xiàn)于紐約PS1現(xiàn)代藝術(shù)博物館，2014年入選哈默博物館“洛杉磯制造”雙年展，2017年作品在瑞士巴塞爾藝術(shù)博物館、圣加侖藝術(shù)博物館及德國(guó)慕尼黑倫巴赫之家美術(shù)館展出……2018年，瑪西婭·哈菲夫離世，享年88歲，留下一份以沉默寫就的深刻遺產(chǎn)。

本次《庫(kù)藝術(shù)》重新分享哈菲夫的文論，不僅是為她“正名”，更因?yàn)樗乃囆g(shù)實(shí)踐，與我們長(zhǎng)期推動(dòng)的的學(xué)術(shù)方向有著深刻的內(nèi)在關(guān)聯(lián)，她與“色彩繪畫”研究中心導(dǎo)師，慕尼黑美院教授同為“極端畫派”（Radical painting）的代表人物，在紐約時(shí)期，他們共同通過探索色彩的極端純粹性，不斷尋求繪畫本真的物質(zhì)性與感知可能，為“色彩繪畫”當(dāng)下的發(fā)展奠定了堅(jiān)實(shí)的學(xué)術(shù)與實(shí)踐基礎(chǔ)。

在當(dāng)下這個(gè)圖像泛濫、觀念迭代加速的Ai時(shí)代，哈菲夫的實(shí)踐觀點(diǎn)帶給我們的啟示愈發(fā)清晰：繪畫從未真正“死亡”，它只是在等待那些愿意真正深入其內(nèi)核、堅(jiān)守其本質(zhì)的人。她用一生提醒我們——真正的藝術(shù)探索，往往始于歸零的謙遜；最深沉的藝術(shù)力量，常常源于最持久的專注。

重新開始

BEGINNING AGAIN

文/瑪西婭?哈菲夫

近年來(lái)，繪畫的可選路徑似乎已極度受限。這并非意味著一切皆已窮盡，而是那些曾驅(qū)動(dòng)創(chuàng)作的核心沖動(dòng)，如今已不再迫切，甚至失去了存在的意義。描摹奇幻意象、敘事再現(xiàn)、紀(jì)實(shí)記錄、以一對(duì)一的對(duì)應(yīng)關(guān)系用顏料復(fù)刻場(chǎng)景或人物—— 這些創(chuàng)作行為均不再具備往日的藝術(shù)可信度。抽象藝術(shù)仿佛已然枯竭；通過形色進(jìn)行表達(dá)的模式因過度泛濫而變得空洞無(wú)物。畫布平面化的探索已走到盡頭；形式主義繪畫將色彩浸染于畫布，把造型推向邊緣，呈現(xiàn)出近乎完整卻仍有間隙的色域區(qū)塊。我們不再篤信顏料的超凡表現(xiàn)力，也難以找到充足理由將繪畫媒介作為藝術(shù)創(chuàng)作的核心載體。

本文最初發(fā)表于1978年9月號(hào)的《藝術(shù)論壇》

瑪西亞·哈菲夫《重新開始》

20 世紀(jì) 60 年代中期，便有人對(duì)我仍堅(jiān)持使用畫筆表示訝異。到了 1975 年，馬克斯?科茲洛夫（Max Kozloff）更是直言：“至少五年來(lái)…… 繪畫已逐漸從先鋒派論述中銷聲匿跡，未留下一絲惋惜?！保?）（但他隨后承認(rèn)仍有大量藝術(shù)家堅(jiān)守繪畫陣地，這無(wú)疑構(gòu)成了一種矛盾的藝術(shù)生態(tài)。）

馬克斯?科茲洛夫
《影響》
27.5 × 37.5 英寸

布面油畫

1960

繪畫這一藝術(shù)形式陷入了爭(zhēng)議，處于“被涂抹消去” 的狀態(tài)。我借用雅克?德里達(dá)（Jacques Derrida）的這一術(shù)語(yǔ)（2），來(lái)界定這樣一種處境：繪畫看似已脫離當(dāng)代藝術(shù)語(yǔ)境、不再契合時(shí)代訴求，然而對(duì)于始終以繪畫為核心創(chuàng)作語(yǔ)言的藝術(shù)家而言—— 對(duì)于從繪畫、素描、空間構(gòu)建中獲得精神滿足，對(duì)顏料、鉛筆及各類創(chuàng)作材料抱有敏銳感知的創(chuàng)作者而言 —— 它仍是唯一的藝術(shù)選擇。彼時(shí)，關(guān)于繪畫本質(zhì)的學(xué)術(shù)對(duì)話與理論探討已近乎停滯。

我們必須轉(zhuǎn)向藝術(shù)的本源—— 創(chuàng)作所依賴的材料與技法本身。仍對(duì)繪畫抱有熱忱的藝術(shù)家們開始對(duì)繪畫進(jìn)行深度分析（或稱解構(gòu)），回歸 “繪畫究竟是什么” 這一核心命題。此舉并非為繪畫下一個(gè)固化定義，而是為了通過重新啟程，讓這一藝術(shù)形式煥發(fā)生機(jī)。這一命題促使我們重新審視繪畫的創(chuàng)作準(zhǔn)則，拆解其核心創(chuàng)作流程；促使我們重新梳理已知認(rèn)知，并進(jìn)行體系化的深度探究。我們?cè)谀撤N程度上刻意 “清空” 對(duì)繪畫的固有認(rèn)知，以全新的視角重新研究、發(fā)掘其本質(zhì)。

這種“刻意清空” 催生了一種外在審視意識(shí) —— 一種置身事外的觀察視角。我們不再以 “沉浸式投入” 的方式參與繪畫，而是從外部維度清晰審視創(chuàng)作的每一個(gè)環(huán)節(jié) —— 這種態(tài)度與部分學(xué)者界定的 “過渡性創(chuàng)作階段” 高度契合。

“這或許是最后的繪畫形態(tài)”—— 這種觀點(diǎn)在當(dāng)時(shí)并非難以理解。而這種強(qiáng)化的審視意識(shí)，既可能催生對(duì)繪畫的模仿與輕率總結(jié)，也讓部分人認(rèn)為繪畫的藝術(shù)價(jià)值確實(shí)已然耗盡。藝術(shù)本可與其他學(xué)科（如科學(xué)、宗教）融合，不再作為獨(dú)立的藝術(shù)門類存在?！袄L畫終結(jié)” 的論調(diào)早已有之，遠(yuǎn)在阿德?萊因哈特（Ad Reinhardt）提出 “單一尺寸、單一色彩” 理念之前便已出現(xiàn)。

阿德·萊因哈特

《抽象畫第4號(hào)》

152.6 × 152.9cm

布面油畫

1961

華盛頓，史密森美國(guó)藝術(shù)博物館

19 世紀(jì)攝影術(shù)的發(fā)明，首次讓繪畫作為再現(xiàn)媒介的必要性受到質(zhì)疑。1921 年，亞歷山大?羅德琴科（Alexander Rodchenko）在俄羅斯展出三幅 “純色” 單色繪畫后，便宣告終止繪畫創(chuàng)作。尼古拉?塔拉布金（Nikolai Tarabukin）宣稱，這一行為標(biāo)志著 “繪畫的死亡” 與 “畫家的自殺”。五十年后，藝術(shù)界仍在爭(zhēng)論：對(duì)繪畫的極致分析是否只會(huì)淪為無(wú)足輕重的理論注解，最終導(dǎo)致繪畫藝術(shù)的徹底終結(jié)？

亞歷山大?羅德琴科

《純色：紅、藍(lán)、黃》

1921

然而，一種相反的藝術(shù)信念為這些新探索注入了力量：對(duì)抽象藝術(shù)內(nèi)在潛力的堅(jiān)定信仰，以及對(duì)抽象藝術(shù)短暫歷史中諸多經(jīng)典作品的深度認(rèn)同。對(duì)當(dāng)代藝術(shù)語(yǔ)境而言，非具象繪畫自 1910 年左右才真正形成體系。印象派、后印象派、野獸派均朝著抽象方向探索，試圖通過繪畫自身的材料與技法實(shí)現(xiàn)藝術(shù)表達(dá)，拆解色彩的本質(zhì)屬性，將色彩與形式從實(shí)用功能中剝離。1910 年，瓦西里?康定斯基（Wassily Kandinsky）創(chuàng)作了第一幅抽象即興作品，首次將繪畫語(yǔ)言本身作為創(chuàng)作目的，正如音樂中對(duì)時(shí)間與聲音的純粹運(yùn)用。讓?皮卡比亞（Jean Picabia）、羅伯特?德勞內(nèi)（Robert Delaunay）與索尼婭?德勞內(nèi)（Sonia Delaunay）夫婦、弗朗齊歇克?庫(kù)普卡（Franti?ek Kupka）、摩根?拉塞爾（Morgan Russell）、阿瑟?達(dá)夫（Arthur Dove）、費(fèi)爾南?萊熱（Fernand Léger）、皮特?蒙德里安（Piet Mondrian）、保羅?克利（Paul Klee）、斯圖爾特?麥克唐納 - 賴特（Stuart MacDonald-Wright）等藝術(shù)家，均在這一時(shí)期致力于色彩抽象創(chuàng)作。1913 年，卡齊米爾?馬列維奇（Kazimir Malevich）展出了標(biāo)志性的白底黑方塊畫作，他在創(chuàng)作自述中表示，這是 “我不顧一切地試圖將藝術(shù)從客觀性的重負(fù)中解放出來(lái)……”（3）此后，大量非具象繪畫流派應(yīng)運(yùn)而生：風(fēng)格派、抽象表現(xiàn)主義、后繪畫性抽象（Post-Painterly Abstraction）等。在如此短暫的時(shí)間內(nèi)涌現(xiàn)出的眾多高質(zhì)量作品，充分印證了非再現(xiàn)性藝術(shù)的藝術(shù)合理性。在我看來(lái)，20 世紀(jì)最具開創(chuàng)性的藝術(shù)成就均源于抽象藝術(shù)。

瓦西里?康定斯基
《即興創(chuàng)作9 號(hào)》

110 × 110 cm
布面油畫

1910

德國(guó)，斯圖加特國(guó)家美術(shù)館

保羅?克利
《律動(dòng)》
69 × 50 cm
布面油彩

1930

藏于蓬皮杜藝術(shù)中心

卡齊米爾?馬列維奇

《黑色方塊》
106 x 106cm
布面油畫

1915
俄羅斯，特列季亞科夫畫廊

如今，面對(duì)“繪畫是什么” 這一核心命題的藝術(shù)家們，大多以抽象或非具象的創(chuàng)作模式回應(yīng)。他們本質(zhì)上無(wú)意將繪畫作為傳遞具體信息的媒介，而是專注于挖掘繪畫語(yǔ)言本身的固有特質(zhì)。對(duì)顏料材料與技法本質(zhì)的深度探究，本就旨在催生新的創(chuàng)作維度。這類作品多以單色呈現(xiàn)，或擁有完整無(wú)分割的畫面空間。將色彩并置雖能產(chǎn)生造型與關(guān)聯(lián)，但所有這類造型組合均已被過度探索。畫面中的傳統(tǒng)主體早已脫離背景；如今，繪畫本身成為了置于周遭環(huán)境這一 “背景” 之上的 “主體”。拉爾夫?漢弗萊（Ralph Humphrey）的創(chuàng)作便是早期典型例證，1957 年至 1960 年間，他始終致力于 “繪畫本質(zhì)” 的探索。盡管他會(huì)將單色繪畫作的顏料調(diào)整為某一特定色彩的不同明暗層次，但并未對(duì)畫面進(jìn)行內(nèi)部分割—— 他發(fā)現(xiàn)畫布本身的顯性形態(tài)會(huì)自然蓋過任何內(nèi)部造型。

拉爾夫?漢弗萊
《阿曼達(dá)》
72x60英寸
布面油畫
1959
加思·格里南畫廊

堅(jiān)持畫面無(wú)內(nèi)部分割并非全新理念。前文提及的馬列維奇黑方塊與羅德琴科單色作品便是先例。鮮為人知的俄羅斯藝術(shù)家弗拉迪斯拉夫?斯特澤敏斯基（W?adys?aw Strzemiński）—— 其在波蘭構(gòu)成主義運(yùn)動(dòng)中極具影響力 —— 或許是羅德琴科之后，首位將單一色彩區(qū)域作為核心創(chuàng)作語(yǔ)言的藝術(shù)家。他在 1928 年出版的《繪畫中的統(tǒng)一主義》（Unism in Painting）中寫道：

“兩種色彩相鄰并置，其對(duì)比關(guān)系會(huì)破壞畫面的整體統(tǒng)一性……如今，畫面形式的核心標(biāo)準(zhǔn)不應(yīng)是對(duì)比，而應(yīng)是統(tǒng)一性以及實(shí)現(xiàn)統(tǒng)一性的創(chuàng)作手段。”（4）

弗拉迪斯拉夫?斯特澤敏斯基
《繪畫中的統(tǒng)一主義》
1928

根據(jù)《韋氏詞典》定義，單色繪畫（monochrome）指僅使用單一色調(diào)的繪畫或素描作品。然而，我所探討的這類單色作品，雖多擁有完整無(wú)分割的畫面，卻并非單一色彩構(gòu)成的無(wú)差異平面，更非彼此雷同的重復(fù)創(chuàng)作。我們可以通過分析單色繪畫的創(chuàng)作理念及其多元表現(xiàn)形式，清晰看到兩幅單色繪畫之間可能存在的巨大差異，以及它們所能承載的豐富意象。

伊夫?克萊因
《無(wú)題藍(lán)色單色畫（IKB231）》

29.5 x 65 x 3.2 cm
亞麻布上的干顏料與合成樹脂，裱于木板之上
1959

克萊因作品細(xì)節(jié)中干顏料的顆粒感

斯特澤敏斯基秉持 “ 統(tǒng)一主義 ” 創(chuàng)作理念，其作品表面看似為單一色彩，實(shí)則被分割為極小的視覺單元，因此更接近我們所說(shuō)的 “ 滿幅構(gòu)圖 ” 作品。法國(guó)藝術(shù)家伊夫?克萊因（ Yves Klein ）通過標(biāo)志性的 “ 國(guó)際克萊因藍(lán) ” ，創(chuàng)作了厚重且?guī)в新辄c(diǎn)質(zhì)感的畫面，其創(chuàng)作行為本身便與超現(xiàn)實(shí)主義存在深層關(guān)聯(lián)； 20 世紀(jì) 50 年代，意大利藝術(shù)家皮耶羅?曼佐尼（ Piero Manzoni ）創(chuàng)作了 “ 無(wú)色彩作品 ” ，多采用白色材料，實(shí)則聚焦 “ 非色彩 ” 本身的藝術(shù)表達(dá)。他對(duì)畫面質(zhì)感并無(wú)過多關(guān)注，也不使用傳統(tǒng)顏料，而是（作為 “ 方位 ” 小組〔 Azimuth 〕核心成員 —— 該小組包括專注白色繪畫創(chuàng)作的恩佐?卡斯泰拉尼〔 Enzo Castellani 〕）傳遞 “ 人人皆可創(chuàng)作藝術(shù)，萬(wàn)物皆為藝術(shù) ” 的先鋒理念。

皮耶羅?曼佐尼
《無(wú)色》
褶皺畫布上高嶺土
1959

藏于蓬皮杜藝術(shù)中心

羅伯特?萊曼（Robert Ryman）始終以白色作為唯一創(chuàng)作色彩，因?yàn)榘咨粫?huì)干擾顏料本身的純粹特質(zhì)。他的創(chuàng)作核心聚焦于顏料表面質(zhì)感與上色過程 —— 包括畫布支撐物、底色處理，以及畫作與墻面的安裝方式等細(xì)節(jié)。

羅伯特?萊曼
《未繃緊的畫布上的繪畫》
27.3 x 26 cm
布面油畫

1961

斯蒂芬?羅森塔爾（Stephen Rosenthal）從不將畫布繃于畫框，而是先通過蝕刻畫布，再進(jìn)行精微染色；或先為畫布上光，再沿著畫布經(jīng)緯線進(jìn)行刮刻創(chuàng)作。作品的最終呈現(xiàn)效果，完全源于畫布本身的材質(zhì)特性。

斯蒂芬·羅森塔爾
《赭石506》
49.5 × 44.5cm
布面油畫
2007

戴爾?亨利（Dale Henry）的布面作品多覆蓋透明材料，其創(chuàng)作核心關(guān)注點(diǎn)之一是作品與光線的互動(dòng)關(guān)系 —— 他的許多作品中，唯有通過光線的折射與反射，才能辨識(shí)出畫面的細(xì)微層次。

戴爾?亨利
濕潤(rùn)的地面
尺寸可變
布面丙烯與乳

1972

道格?桑德森（Doug Sanderson）采用多層疊色技法，最終呈現(xiàn)出表面看似單色、實(shí)則受底層色彩影響的復(fù)合質(zhì)感。

杰瑞?翟紐克（Jerry Zeniuk）會(huì)先準(zhǔn)備好繃框亞麻布，再交替涂抹一層又一層的互補(bǔ)色，最終形成明亮且中性的完整畫面 —— 除了隱約可見的筆觸痕跡與底層色彩的微妙暈染，畫面無(wú)任何刻意分割。

道格?桑德森

《無(wú)題》

26.03 x 32.07 cm

犢皮紙上的蠟、油畫與彩色鉛筆

1974

布法羅AKG藝術(shù)博物館藏品

杰瑞·翟紐克

畫畫這件事 展覽現(xiàn)場(chǎng) 2022

ABC-ARTE 意大利熱那亞

羅德琴科將其單色繪畫命名為《純色：紅、藍(lán)、黃》，這與我所使用的中鎘紅、中鎘黃、群青藍(lán)等特定顏料形成鮮明對(duì)比。具體的顏料色彩取代了理論化的色彩概念，以純粹的物理形態(tài)呈現(xiàn)在畫面中。

通過深入分析這些創(chuàng)作差異，我們不難發(fā)現(xiàn)，當(dāng)代藝術(shù)家的創(chuàng)作目標(biāo)并非追求繪畫的非個(gè)人化；事實(shí)上，無(wú)論是不同藝術(shù)家之間，還是同一藝術(shù)家的不同作品之間，單色繪畫都可能存在顯著差異。

底色的選擇始終圍繞著色材料的特性展開，而底色本身也會(huì)直接影響最終色彩的呈現(xiàn)效果。

盡管作品已確定為單色創(chuàng)作，但一旦進(jìn)入畫布上色階段，關(guān)于畫面邊緣的處理決策便會(huì)自然浮現(xiàn)：顏料應(yīng)在何處終止？顏料可延伸至支撐物邊緣并環(huán)繞至側(cè)面，也可在畫布邊緣之內(nèi)終止。若顏料在正面畫布內(nèi)終止，通常會(huì)形成略小于支撐畫布的矩形—— 否則便會(huì)在底色上形成獨(dú)立的造型。一種中性化的處理方式是，讓顏料剛好止于正面畫布邊緣，不向外延伸。

瑪西亞·哈菲夫

《無(wú)題》

28.89×28.89cm

紙本水彩

1978年

紐約州布法羅市奧爾布賴特-諾克斯美術(shù)館收藏

繪畫所使用的工具（鉛筆、畫筆、鋼筆等），是藝術(shù)家與畫布之間的重要媒介。所選工具會(huì)留下特定的痕跡，這些痕跡直接受使用方式影響。工具的選擇需兼顧與媒介的適配性及其功能特性。

“構(gòu)造”（Construction）指的是創(chuàng)作元素的組合方式，涵蓋從支撐物與底色的準(zhǔn)備，到顏料涂抹或痕跡塑造的全過程，包括藝術(shù)家對(duì)材料的任何干預(yù)行為。與所選材料的協(xié)同創(chuàng)作，會(huì)自然催生特定的審美準(zhǔn)則或內(nèi)在創(chuàng)作倫理。材料的使用過程會(huì)顯現(xiàn)出固有的邏輯，一套完整的價(jià)值體系也由此形成。

這些價(jià)值體系源于材料本身的固有屬性與創(chuàng)作需求。作品的最終走向，取決于對(duì)特定項(xiàng)目或系列作品所選材料與技法的深度觀察。藝術(shù)家不會(huì)為迎合自身創(chuàng)作需求而刻意改變材料特性，而是在很大程度上保持材料的完整性，并從材料本身汲取藝術(shù)靈感。材料與工具的特性、創(chuàng)作準(zhǔn)則的本質(zhì)，共同決定了創(chuàng)作中的各項(xiàng)選擇。規(guī)則源于所使用的材料與技法，而創(chuàng)作結(jié)果則成為最終的核心目標(biāo)。創(chuàng)作所追尋的意象，并非單純的“自然呈現(xiàn)”，而是 “本質(zhì)呈現(xiàn)”。憑借這種創(chuàng)作完整性，即便是最微小的決策也具有重要意義 —— 作品所有元素之間會(huì)形成相互關(guān)聯(lián)的一致性，進(jìn)而產(chǎn)生深層藝術(shù)意義。藝術(shù)家決定創(chuàng)作方式、創(chuàng)作范圍、創(chuàng)作體量等核心問題，同時(shí)尊重材料的本質(zhì)屬性，使其在最終結(jié)果中發(fā)揮關(guān)鍵作用。藝術(shù)家始終在（所選）材料的既定框架內(nèi)進(jìn)行創(chuàng)作探索。

這些創(chuàng)作選擇不參照任何既定審美標(biāo)準(zhǔn)，每個(gè)決策均獨(dú)立權(quán)衡，同時(shí)充分考慮特定創(chuàng)作過程中的材料特性與預(yù)期目標(biāo)。創(chuàng)作中常采用經(jīng)過時(shí)間檢驗(yàn)的傳統(tǒng)繪畫技法，藝術(shù)家仿佛首次重新闡釋、探究這些藝術(shù)界早已熟知的材料用法。不同之處在于，創(chuàng)作焦點(diǎn)轉(zhuǎn)向了這些決策的細(xì)節(jié)—— 這并非全新的創(chuàng)作視角，但已被擱置許久 —— 即更多關(guān)注材料本身及其使用方式，而非其功能性用途。

特里貝卡朱利安·普雷托閣樓前的“極端畫派”，約1980

左至右：埃里克·薩克森、菲爾·西姆斯、美林、戴爾·亨利、道格·桑德森、蘇珊娜·坦格、安德斯·克努森、瑪西婭·哈菲夫、杰瑞·翟紐克、弗雷德·瑟茲。不在場(chǎng)：約瑟夫·馬里奧尼和奧利維爾·莫塞特。

單色繪畫的懸掛方式至關(guān)重要。由于這類作品是可供直接感知的實(shí)體，其相對(duì)于觀者的位置，在很大程度上決定了觀看體驗(yàn)的本質(zhì)。畫作可低掛于墻面，從而融入觀者的自身空間；也可高掛，形成一定的視覺距離。單色繪畫最常被單獨(dú)懸掛—— 因其自身的視覺能量會(huì)向周圍空間擴(kuò)散，這也是如今展覽墻面多采用白色或中性色調(diào)的重要原因，以避免畫作與墻面色彩形成不必要的色彩協(xié)調(diào)。

墻上的單色矩形畫作，會(huì)與墻面本身、周圍其他作品及實(shí)體元素自然構(gòu)成構(gòu)圖關(guān)系。畫作不再是“底色承載主體” 的傳統(tǒng)形態(tài)，而是自身成為主體，被置于墻面這一 “底色” 之上。將一幅或多幅單色繪畫懸掛于墻面時(shí)，必然會(huì)面臨其構(gòu)成墻面整體視覺效果的問題。因此，無(wú)論是創(chuàng)作還是懸掛，都必須承認(rèn)墻面的具體空間屬性，以及它與畫作之間的關(guān)聯(lián)。這可通過多種方式實(shí)現(xiàn)：將整面墻作為底色或既定空間，決定作品的尺寸與位置；通過分組懸掛，強(qiáng)化畫作與墻面的關(guān)聯(lián)；甚至忽略墻面限制，將畫作置于房間任意位置—— 萊曼便曾將其作品《瓦雷澤面板》（Varese Panel）直接放置在畫廊的支架上。我也曾創(chuàng)作過尺寸由墻面決定的繃框畫布作品，甚至直接在整面墻上作畫，通過讓畫作與墻面融為一體，徹底消除傳統(tǒng)構(gòu)圖邏輯。不過，許多單色繪畫尺寸較小，它們坦然接受了與墻面的這種自然關(guān)聯(lián)。

羅伯特·萊曼

《瓦雷茲之墻》

96 × 288 × 12英寸

木頭上的聚乙酸乙烯酯乳液，配有鋼條與泡沫塊

1975

迪亞藝術(shù)基金會(huì)收藏

單色繪畫通常單獨(dú)展示，或與其他類似但獨(dú)立的作品共同展出—— 布賴斯?馬登（Brice Marden）與埃爾斯沃思?凱利（Ellsworth Kelly）均曾將色彩面板組合展示。梅里爾?瓦格納（Merrill Wagner）的作品則呈現(xiàn)出創(chuàng)作的不同階段，向觀者展示其創(chuàng)作過程中的三至四個(gè)關(guān)鍵節(jié)點(diǎn)。寫實(shí)再現(xiàn)之所以被普遍摒棄，一個(gè)重要原因是當(dāng)代觀眾不再滿足于單一圖像 —— 我們習(xí)慣于在電影和電視中接收多元圖像信息，畫作中的單一靜態(tài)圖像已難以滿足感知需求。正因如此，照片也常以分組或成對(duì)的方式展示。而單色繪畫具有開放、包容且“空無(wú)” 的特質(zhì)；它不具特定指向性，會(huì)隨時(shí)間、地點(diǎn)和觀者的變化而產(chǎn)生不同解讀。一幅單色繪畫無(wú)需其他作品襯托，單獨(dú)展示往往能達(dá)到最佳效果。

布賴斯?馬登
《在左面板背面，在右面板背面》
182.9 x 243.8 cm
布面油畫
2004

埃爾斯沃思?凱利

《風(fēng)箏之二》

布面油彩

1952

藏于蓬皮杜藝術(shù)中心

梅里爾?瓦格納
《無(wú)題》
16 x 24英寸

布面油畫
1997

不過，觀看單色繪畫時(shí)，觀者仍需要一些解讀線索：了解同一藝術(shù)家的其他作品、同類風(fēng)格的其他創(chuàng)作，都能幫助深入理解。藝術(shù)家的創(chuàng)作意圖也具有參考價(jià)值，但最終，仍是作品本身在傳遞核心意義。

傳統(tǒng)繪畫曾被視為創(chuàng)造現(xiàn)實(shí)幻象的載體，或“平板平面” 上的物體陳列。如今（或許自至上主義〔Suprematism〕以來(lái)），繪畫作為與世界其他物體平等的實(shí)體存在。觀看這類作品的體驗(yàn)，與傳統(tǒng)觀看方式截然不同 —— 眼睛停留在畫面表面，不再試圖深入其內(nèi)部幻象；我們不再 “解讀” 畫面的敘事意義，而是專注于其物質(zhì)本身的質(zhì)感。這類作品充分認(rèn)可繪畫的 “物體屬性”，不創(chuàng)造三維幻象，也極少引發(fā)畫面之外的聯(lián)想。盡管它是一個(gè)實(shí)體，但仍保持著 “繪畫” 的本質(zhì)屬性：顏料由藝術(shù)家手工涂抹，筆觸清晰可見；畫面主體被上色，邊緣則通常保持原始狀態(tài)。

我們認(rèn)可繪畫的自然物質(zhì)邊界，因此無(wú)需畫框?qū)⑵渑c周圍空間分隔。事實(shí)上，邊緣通常不裝裱，以便觀者直觀感受其物體屬性。

單色繪畫的近距離聚焦特質(zhì)，與 20 世紀(jì)繪畫尺寸的擴(kuò)大趨勢(shì)相契合，最終形成 “一筆一色即可構(gòu)成整幅作品” 的極致表達(dá)。專注于繪畫單一維度或?qū)傩缘乃囆g(shù)家們，有意或無(wú)意地編制了一份非正式的藝術(shù)材料與技法目錄。雕塑領(lǐng)域的典型例證是卡爾?安德烈（Carl Andre）的 “元素表”，他通過表格對(duì)可用于雕塑的金屬進(jìn)行分類記錄，這份表格本身也成為了一件雕塑作品。戴爾?亨利曾展出包含 80 件作品的系列創(chuàng)作，用相對(duì)無(wú)色彩的材料對(duì)繪畫與素描技法進(jìn)行系統(tǒng)梳理，勾勒出其后續(xù)的探索方向。盧西奧?波齊（Lucio Pozzi）的素描作品，則將素描的各種過程（添加、擦除等）作為核心創(chuàng)作主題。在我自己的創(chuàng)作中，我深入研究了顏料的特性，以及格式、媒介與混合方式，并將這些元素分別應(yīng)用于繪畫，旨在讓特定媒介與格式中某一顏料的本質(zhì)特質(zhì)清晰呈現(xiàn)。

卡爾?安德烈在倫敦白教堂畫廊 1978

我所探討的這些創(chuàng)作，在很大程度上與“清空畫面” 相關(guān)。表面看似無(wú)細(xì)節(jié)的單色繪畫，向藝術(shù)家揭示了“徹底消除細(xì)節(jié)” 的不可能性，也讓觀者在 “看似空無(wú)” 的狀態(tài)中與自我對(duì)話。當(dāng)我們剝離所有外在元素后，剩下的是什么？當(dāng)畫面幾乎沒有可辨識(shí)的具體形象時(shí)，藝術(shù)的意義何在？繪畫長(zhǎng)期以來(lái)一直與 “空無(wú)” 保持著微妙關(guān)聯(lián) —— 馬列維奇、漢弗萊、萊因哈特、馬登、萊曼的作品均是如此。我們不能簡(jiǎn)單認(rèn)為這些作品 “除了一種顏色外一無(wú)所有”，區(qū)分這些 “空無(wú)” 畫作的藝術(shù)特質(zhì)并非難事。已知主題的剝離，為新的藝術(shù)內(nèi)容開辟了空間。一幅沒有內(nèi)部色彩與形狀關(guān)聯(lián)的畫作，并非真正的空無(wú)。

盡管這些新探索中的創(chuàng)作決策相對(duì)受限，作品之間看似相似（或許僅存在細(xì)微差異），但仍需明確區(qū)分“重復(fù)” 與 “系列” 的本質(zhì)不同。

為深入探索某一創(chuàng)作核心，藝術(shù)家可能會(huì)進(jìn)行重復(fù)創(chuàng)作—— 他們深知，重復(fù)帶來(lái)的是相似性，而非完全相同。這與通過系列創(chuàng)作拓展變體的模式截然不同。每一幅單色繪畫都是獨(dú)立完整的，并非對(duì)早期作品的簡(jiǎn)單變體，而是與早期作品既有關(guān)聯(lián)又有差異的全新創(chuàng)作。創(chuàng)作的核心訴求并非窮盡所有可能性，而是不斷完善核心決策；并非追求新奇與不同，而是趨向藝術(shù)本質(zhì)的“唯一性”。

隨著畫面內(nèi)部造型元素的消除，繪畫擺脫了 20 世紀(jì) 60 年代那種強(qiáng)烈的結(jié)構(gòu)性束縛 —— 即造型必須與畫面邊緣產(chǎn)生關(guān)聯(lián)。畫作本身就是造型，畫布的水平與垂直線條與其占據(jù)的空間自然呼應(yīng)；而畫面表面，則在某種意義上獲得了絕對(duì)自由。60 年代網(wǎng)格的使用也代表了這種僵化的結(jié)構(gòu)性，盡管艾格尼絲?馬丁（Agnes Martin）等藝術(shù)家曾以純粹的方式運(yùn)用網(wǎng)格，并保留了強(qiáng)烈的個(gè)人風(fēng)格。然而，相對(duì)于當(dāng)代單色繪畫創(chuàng)作，網(wǎng)格（及其碎片化表現(xiàn)形式“滿幅構(gòu)圖”）的結(jié)構(gòu)性控制過于強(qiáng)烈，無(wú)法容納如今所追求的完整藝術(shù)意象。網(wǎng)格提供了一種將畫面分割為易于處理單元的便捷方式，但這種方式如今已過于陳舊，缺乏藝術(shù)新鮮感。

艾格尼絲?馬丁
《贊美》

27.94 × 27.94 cm

紙，墨，混合媒介
1976

這些以單色為主的當(dāng)代作品，堅(jiān)持重新闡釋繪畫的本質(zhì)，其創(chuàng)作初衷是堅(jiān)信“藝術(shù)品質(zhì)在某種程度上是可定義的”—— 至少繪畫必須具備內(nèi)在意義，必須在當(dāng)代觀看語(yǔ)境中具有藝術(shù)可信度。近年來(lái)，“藝術(shù)品質(zhì)” 已成為廣泛討論的話題，此處不再深入展開。這里所指的 “可定義的品質(zhì)”，體現(xiàn)在作品的整體完整性中，源于創(chuàng)作過程中各元素的內(nèi)在統(tǒng)一性，且可通過作品自身設(shè)定的標(biāo)準(zhǔn)進(jìn)行衡量。盡管這類作品不傳遞具體信息，但其中蘊(yùn)含的本質(zhì)意義對(duì)其藝術(shù)生命力至關(guān)重要，且至少在某些層面上，這種意義是直接可感的。

繪畫至少可從四個(gè)層面理解。首先，繪畫作為物理實(shí)體存在，是可供直接感知的世界物體—— 具有觸覺、視覺與視網(wǎng)膜感知特性。其次，創(chuàng)作中存在明確的技術(shù)邏輯，材料的固有屬性決定創(chuàng)作方法，作品的形式層面可被分析與理解，因此必須符合特定的藝術(shù)標(biāo)準(zhǔn)。第三，繪畫是一種歷史陳述 —— 創(chuàng)作于特定時(shí)代，無(wú)論有意與否，都反映了藝術(shù)家對(duì)當(dāng)時(shí)繪畫狀態(tài)的認(rèn)知。最后，繪畫是一種思維形式，間接體現(xiàn)了藝術(shù)家的世界觀、所處時(shí)代的精神特質(zhì)，并傳遞著哲學(xué)與精神層面的體驗(yàn)。

盡管我們可以探討藝術(shù)的普遍意義，但僅憑視覺接觸能否單獨(dú)傳遞完整內(nèi)容，仍值得商榷。原始人無(wú)法理解我們的照片，而我們卻通過學(xué)習(xí)掌握了這種能力—— 這恰恰說(shuō)明，意義的非語(yǔ)言傳遞是一種相對(duì)現(xiàn)象，需要通過經(jīng)驗(yàn)積累，正如學(xué)習(xí)閱讀需要通過觀察與熟悉來(lái)實(shí)現(xiàn)。一位藝術(shù)家的系列作品為特定作品的意義提供了上下文，一群藝術(shù)家的作品則共同構(gòu)成了相互關(guān)聯(lián)的意義網(wǎng)絡(luò)。馬薩喬（Masaccio）的繪畫之所以重要，正是相對(duì)于其之前與同時(shí)代的作品而言。在任何歷史時(shí)期，各類作品都在相互強(qiáng)化彼此的意義，當(dāng)代藝術(shù)依然如此。

瑪西亞·哈菲夫

羅馬時(shí)代 展覽現(xiàn)場(chǎng)

日內(nèi)瓦當(dāng)代藝術(shù)博物館

許多當(dāng)代單色繪畫中明顯體現(xiàn)出某種“被動(dòng)性”：尺寸通常較小，沒有試圖征服或改變世界的宏大意圖。創(chuàng)作決策順應(yīng)而非違背材料與空間的固有屬性，構(gòu)造邏輯的考量?jī)?yōu)先于個(gè)人審美偏好。繪畫創(chuàng)作的內(nèi)在必然性決定了其最終形態(tài)，呈現(xiàn)效果是自然結(jié)果，而非預(yù)設(shè)的刻意表現(xiàn)。作品是由內(nèi)而外構(gòu)建的 —— 形式源于元素組合的固有邏輯，創(chuàng)造出開放的藝術(shù)空間，讓未知與意外的意象自然顯現(xiàn)。內(nèi)在邏輯使藝術(shù)家能夠超越主觀審美判斷的局限。

與以往的偶發(fā)藝術(shù)不同，當(dāng)代單色繪畫的創(chuàng)作決策完全源于材料本身，不引入任何外部?jī)?nèi)容。通過定義這些內(nèi)在規(guī)則，源于作品物理屬性的藝術(shù)內(nèi)容，從材料轉(zhuǎn)移到了藝術(shù)家身上。真正的創(chuàng)作主題，成為創(chuàng)作過程的體驗(yàn)、從作品中獲得的信息，以及與作品相互關(guān)聯(lián)并通過作品不斷完善的價(jià)值體系。

當(dāng)創(chuàng)作體驗(yàn)成為核心，工作室的時(shí)間便被賦予了特殊意義。材料的準(zhǔn)備與使用同等重要—— 研磨顏料、準(zhǔn)備畫布，與涂抹顏料一樣，都是不可或缺的創(chuàng)作環(huán)節(jié)。必須確保創(chuàng)作時(shí)間不受干擾；創(chuàng)作過程的延長(zhǎng)，其本身就具有價(jià)值，正如追求最終的創(chuàng)作成果一樣。

與此相關(guān)的是，對(duì)單一細(xì)節(jié)、單一形式的專注，能夠抵消當(dāng)代世界的碎片化特質(zhì)。單純吃香蕉，與邊吃香蕉邊看書，是兩種截然不同的體驗(yàn)。在當(dāng)代社會(huì)，我們習(xí)慣于以麥克盧漢（Marshall McLuhan）所說(shuō)的 “馬賽克式” 思維處理信息 —— 同時(shí)應(yīng)對(duì)多個(gè)主題，閱讀新聞時(shí)還要受廣告干擾，對(duì)任何一個(gè)主題的關(guān)注時(shí)間都極為有限，思維不斷在不同主題間切換，難以完整專注于一件事。生活中的各種需求將我們從一個(gè)主題推向另一個(gè)，而冥想能幫助人們重新體驗(yàn)專注 —— 藝術(shù)家的單色繪畫創(chuàng)作也具有類似功能。這些藝術(shù)家無(wú)論在生活中還是藝術(shù)中，都試圖一次專注于一件事，避免干擾。當(dāng)注意力被分散時(shí)，任何體驗(yàn)都無(wú)法完整，而藝術(shù)家能夠?qū)⑦@種專注的體驗(yàn)傳遞給觀者。

麥克盧漢在他工作室里 1967

我所談?wù)摰倪@些作品，核心關(guān)乎“存在” 的體驗(yàn)。創(chuàng)作始于既定事實(shí)：材料已然存在，格式、材料組合、工具、創(chuàng)作空間等決策，均基于這些既定事實(shí)展開。一種內(nèi)在的完整性貫穿始終。藝術(shù)家將 “存在” 作為創(chuàng)作方式，順應(yīng)材料的本質(zhì)特性，培育創(chuàng)作的每一個(gè)環(huán)節(jié)。這種體驗(yàn)是其他活動(dòng)難以替代的 —— 在創(chuàng)作中直接運(yùn)用材料進(jìn)行實(shí)踐，見證腦海中的藝術(shù)意象在手中成為現(xiàn)實(shí)。

在對(duì)當(dāng)下、對(duì)存在感知的追尋中，藝術(shù)家發(fā)現(xiàn)了一種整體性—— 一種從創(chuàng)作本身、材料本質(zhì)、技法特性與人文屬性中汲取美的方式。

我謹(jǐn)慎使用“美” 這個(gè)詞匯。有人質(zhì)疑其有效性與意義，但我們確實(shí)需要一種方式來(lái)描述視覺刺激帶來(lái)的精神觸動(dòng)。不可否認(rèn)，面對(duì)某些藝術(shù)現(xiàn)象時(shí)，我們會(huì)產(chǎn)生敬畏、興奮等感受 —— 可能是對(duì)秋日風(fēng)景的自然反應(yīng)，也可能是面對(duì)壯麗山景的內(nèi)心震撼；伊斯蘭清真寺的庭院、一件簡(jiǎn)單的書法銘文碗，都能引發(fā)這種感受。我們以類似的方式欣賞震顫派（Shaker）家具的簡(jiǎn)約精巧，也以同樣的視角看待當(dāng)代單色繪畫創(chuàng)作。

紐約上州的一間震顫派風(fēng)格房間，約1830年

圖片由紐約大都會(huì)藝術(shù)博物館提供

這類作品安靜、引人深思，甚至帶有冥想特質(zhì)—— 這是一種難以用語(yǔ)言描述的藝術(shù)品質(zhì)。我們習(xí)慣于討論材料與形式元素，卻不善表達(dá)主觀的精神體驗(yàn)，或許是因?yàn)檫^多的言說(shuō)會(huì)消解其本質(zhì)。我們?cè)噲D描述的，是一種本質(zhì)上個(gè)人化的體驗(yàn) —— 所有單色繪畫都在某種程度上具備這種特質(zhì)（在此可聯(lián)想到詹姆斯?畢曉普〔James Bishop〕、蘇珊娜?坦格〔Susanna Tanger〕等藝術(shù)家的創(chuàng)作）。

當(dāng)代單色繪畫常被貼上“極簡(jiǎn)主義”或 “還原主義”（Reductivism）的標(biāo)簽。由于其表面看似簡(jiǎn)化，人們?nèi)菀讓⑵渑c極簡(jiǎn)主義關(guān)聯(lián)，但二者存在本質(zhì)區(qū)別：當(dāng)代單色繪畫不涉及模塊創(chuàng)作、工業(yè)化制作或工業(yè)級(jí)表面處理，這使其與至上主義、構(gòu)成主義也有所不同—— 后兩者在很大程度上消除了手工痕跡。當(dāng)代單色繪畫接納藝術(shù)家的手工痕跡與個(gè)人特質(zhì)，同時(shí)尊重材料本身的多元表現(xiàn)可能。

這類作品從過程藝術(shù)中汲取了 “設(shè)定流程并接受結(jié)果” 的創(chuàng)作邏輯；概念性素描（Conceptual Drawing）也采用類似方式：設(shè)定規(guī)則后嚴(yán)格執(zhí)行，作品是行為的自然結(jié)果，同時(shí)允許融入個(gè)人表達(dá)。貧窮藝術(shù)則提供了另一種理念：使用簡(jiǎn)單的材料與方法，而非復(fù)雜昂貴的創(chuàng)作資源。一個(gè)恰當(dāng)?shù)拿枋鲂g(shù)語(yǔ)是 “審美原始主義”（aesthetic primitivism）—— 借用自羅伯特?戈德沃特（Robert Goldwater）的《現(xiàn)代藝術(shù)中的原始主義》（Primitivism in Modern Art），卡特?拉特克利夫（Carter Ratcliff）將其定義為 “無(wú)論在任何時(shí)期，當(dāng)藝術(shù)家意圖運(yùn)用形式上的‘本質(zhì)元素’—— 無(wú)論是確立媒介的基本原理，還是在最深層次上觸動(dòng)感知 —— 時(shí)，便會(huì)出現(xiàn)的一種藝術(shù)傾向?！保?）這兩種意圖，正是當(dāng)代單色繪畫創(chuàng)作的核心訴求。

歐洲曾舉辦過 “基礎(chǔ)繪畫”（Fundamental Painting）、“繪畫的疑問”（La Peinture en Question）、“分析性繪畫”（Analytische Malerei）、“無(wú)圖像之畫”（Bilder ohne Bilder）、“繪畫藝術(shù)”（Pittura）等相關(guān)展覽?！爸Ъ?表面”（Supports/Surfaces）小組及相關(guān)藝術(shù)家，受色域繪畫影響，專注于繪畫材料的分析，并形成了系統(tǒng)的理論論述?？寺宓?維亞拉（Claude Viallat）以畫布、畫框、色彩、空間位置等為核心創(chuàng)作元素；丹尼爾?德澤茲（Daniel Dezeuze）深入研究畫框的構(gòu)成；路易?凱恩（Louis Cane）的作品則將具象元素抽象化，融入平坦的色彩表面。意大利、荷蘭、德國(guó)及美國(guó)的相關(guān)創(chuàng)作，在很大程度上源于對(duì)色域繪畫及其氛圍質(zhì)感的反思與突破。與法國(guó)作品相比，這些創(chuàng)作更傾向于將元素整合為整體，而非相互對(duì)立；更少涉及二元對(duì)立與結(jié)構(gòu)主義的理論框架。

“基礎(chǔ)繪畫”展覽現(xiàn)場(chǎng)

倫納特本德畫廊

2015

連鎖反應(yīng) 不同的繪畫方式展覽現(xiàn)場(chǎng)

喬瓦尼·博內(nèi)利畫廊的展覽景觀

米蘭 2018

克洛德?維亞拉

《顯而易見的簡(jiǎn)單》展覽現(xiàn)場(chǎng)

畫布、物體、弦和網(wǎng)

丹尼爾?德澤茲

《中美洲》展覽現(xiàn)場(chǎng)

? 阿德里安·米洛

由巴黎坦普隆畫廊提供

路易?凱恩

繼續(xù) 展覽現(xiàn)場(chǎng)

2020 巴黎

我所談?wù)摰倪@些藝術(shù)家，始終保持作品的完整性與單一創(chuàng)作者的視野，極少使用助手、委托工廠制作或集體創(chuàng)作。繪畫通過摒棄冗余元素、重新回歸本質(zhì)，獲得了新的藝術(shù)能量。盡管許多作品看似在“還原”，但本質(zhì)上是對(duì)繪畫本身的解構(gòu)與分析。出于對(duì)抽象藝術(shù)潛力的堅(jiān)定信念，以及對(duì)繪畫看似枯竭的回應(yīng)，上述藝術(shù)家及其他創(chuàng)作者開始對(duì)繪畫的各個(gè)元素進(jìn)行系統(tǒng)梳理 —— 分類、審視、探究。繪畫變得具有展示性、概念性，成為可供深入分析的對(duì)象，比以往更加 “被動(dòng)”。藝術(shù)家創(chuàng)作的是高度個(gè)性化的作品，由此催生了一系列重要變化：格式通常趨向小型化；色彩呈現(xiàn)不透明質(zhì)感，作為自身存在而非創(chuàng)造幻象或表達(dá)情感的工具；線條回歸自身本質(zhì)，不再用于勾勒形狀；個(gè)人筆觸被重新接納，畫筆痕跡與手工質(zhì)感再次成為藝術(shù)表達(dá)的重要組成部分 —— 這些，都是繪畫的核心本質(zhì)元素。

瑪西亞·哈菲夫在羅馬 1962

這一分析性創(chuàng)作階段的某個(gè)部分如今似乎已告一段落，但關(guān)于繪畫的探索仍遠(yuǎn)未結(jié)束。色彩與形狀的關(guān)聯(lián)領(lǐng)域幾乎尚未被觸及，創(chuàng)造幻象的技法、繪畫史本身，都可成為未來(lái)的研究主題。每位藝術(shù)家都會(huì)自主決定是否進(jìn)行這些探索，但通過這一系列分析，非具象藝術(shù)表達(dá)的力量得到了重新確認(rèn)。如果這一分析階段的某個(gè)部分已然結(jié)束，我們或許已準(zhǔn)備好進(jìn)入抽象藝術(shù)的全新階段—— 綜合階段。

（1）馬克斯?科茲洛夫，《繪畫與反繪畫：一場(chǎng)家庭爭(zhēng)吵》（Painting and Anti-Painting: A Family Quarrel），《藝術(shù)論壇》（Artforum），1975 年 9 月，第 37 頁(yè)

（2）雅克?德里達(dá)，《論文字學(xué)》（Of Grammatology），巴爾的摩，1974 年

（3）卡齊米爾?馬列維奇，《非客觀世界》（The Non-Objective World），芝加哥，1959 年

（4）弗拉迪斯拉夫?斯特?zé)崦魉够?，《繪畫中的統(tǒng)一主義》（Unism in Painting）（普雷森斯圖書館第 3 輯），華沙，1928 年，引自里沙德?斯坦尼斯瓦夫斯基（Ryszard Stanislawski）等人為展覽 “波蘭構(gòu)成主義 1923-1936：布洛赫、普雷森斯、a.r. 小組”（Constructivism in Poland 1923-1936; BLOK, Praesens, a.r.）編寫的展覽目錄，埃森與奧特洛，1973 年，第 92 頁(yè)

（5）卡特?拉特克利夫，《論當(dāng)代原始主義》（On Contemporary Primitivism），《藝術(shù)論壇》（Artforum），1975 年 11 月，第 58 頁(yè)

“色彩繪畫”學(xué)術(shù)方向

現(xiàn)已來(lái)到中國(guó)

4月11日與中德導(dǎo)師

一起創(chuàng)作交流

色彩繪畫

創(chuàng)研工作坊·2026

講授導(dǎo)師

馬樹青、英格麗·弗洛斯（德）、黃拱烘（德）

講授時(shí)間

2026年4月11日開啟

講授形式

線上+ 線下理論講解與實(shí)踐指導(dǎo)

線下授課地點(diǎn)

中國(guó)·北京

咨詢?cè)斍檎?qǐng)聯(lián)系

微信號(hào)：kuyishu001

聯(lián)系電話：010—84786155