從英國女王到西太后，2026年的時尚展覽也太重量級了吧！

在剛剛過去的 2025 年，Giorgio Armani 老先生的離去，或許是時尚愛好者們感到最為不舍和難過的事情之一，也讓時尚界陷入集體的懷念與沉思

雖然在心中已經預設了很多遍，但這位時裝大師的不辭而別，就像是真正意義上的“告別”到來時，依舊是會讓大家有些措手不及。畢竟，這也是屬于那個時尚界的眾神時代的真正落幕。

他的名字曾經代表著對高級時裝的極致優雅的追求，也是意大利時尚的當代象征。

作為 Giorgio Armani 本人參與設計的最后一個品牌展覽，也是米蘭布雷拉美術館（Pinacoteca di Brera）所舉辦的第一個時尚展覽。

讓這場名為“GIORGIO ARMANI: MILANO, PER AMORE” 的主題展覽，仿佛是寫給這位時裝大師的一封充滿藝術格調的告別情書。

布雷拉美術館作為意大利最為嚴肅、最具學術傳統的美術館之一，館藏以文藝復興及之后的重要繪畫、雕塑為主。當 Armani 的作品被安置在這樣一個空間中，它所完成的并不僅是一次回顧， 而是時尚與藝術的交融。

展覽以 “Armani/Archivio” 項目為基礎，從品牌數十年的檔案中挑選出逾 120 件典藏作品，去呈現 Giorgio Armani 這些年所積累的創意積淀與藝術杰作，這些精心挑選的服飾與拉斐爾、卡拉瓦喬等文藝復興時期名畫同處一室。

精湛的剪裁，奢華的面料與兼具東西方色彩的印花，同與古典畫作間的色彩平衡、構圖韻律相輔相成，模糊界限，也更加突出了 Armani 設計下，時裝作為可穿戴藝術的存在，無聲地訴說著同一種對和諧、比例與優雅的追求。

其中涵蓋男女成衣、高級定制以及定制舞臺造型，展陳方式并不是那種強烈戲劇效果，而是刻意保持克制，這確實也與老先生一貫的設計語言高度一致。的確，他標志性的優雅線條與奢華雋永，定義了一個時代的意式審美。

最近，品牌也是宣布了這場原本定于 2026 年 1 月結束的展覽延長至 5 月 3 日。

這個決定為大家留出更長的告別時間，讓更多觀眾有機會親身感受，這些載入時尚史冊的經典之作。即便那些輝煌歲月已成往事，但這些設計與靈感，毫無疑問依舊也在影響著現在和更遠的未來。

在過去這些年里，不難發現時尚展覽越來越多，規模也越來越大，但其實真正能引起討論，稱得上是重量級的并不多。

而在接下來 2026 年里，從策展規格到展覽主題，還有哪些時尚愛好者們不得錯過的重量級展覽呢？

今天不妨磅礴一起搶先了解一下，一起重回那一段段時尚黃金歲月。

Westwood | Kawakubo

維多利亞國家美術館

2025.12.07-2026.04.19

在澳大利亞維多利亞國家美術館（NGV），你可以看到來自東西方的兩位大神級別的女設計師“同框”，這就是在 2026 年持續展出的 “Westwood | Kawakubo”。

該展其實是將英國時裝朋克女王“西太后” Vivienne Westwood 和日本先鋒設計師“玲姐”川久保玲（Rei Kawakubo）的作品進行共同展出。

不是傳統意義上，某個單獨設計師或是設計主題的回顧展，雖然說 Vivienne Westwood 和川久保玲在風格和美學上，但其實她們都代表著時尚行業里重要的女性力量，同樣也是反叛精神的代表，對整個高級時裝的發展，都有著突破性的意義，也因此兩位也都有“時尚教母”的美譽。

該展覽以四大主題展開，分別是“朋克與挑畔”、“撕裂”、“重塑”以及“身體與服裝的力量”，其中匯集了來自維多利亞與阿爾伯特博物館、大都會藝術博物館、巴黎服裝博物館，以及私人藏品和品牌檔案庫里超過140件展品，還有大量的攝影、檔案資料及秀場影片，陣仗屬實強大。

其中你可以看到來自 Vivienne Westwood 在上世紀 70 年代所設計的，帶有極強朋克風格的撕裂T恤、流行文化胸針、格紋裙單品，與來自川久保玲的那些充滿藝術感，不對稱性、具有破壞性的“逆時裝”設計。

它們彼此展開碰撞和精彩對話，最終這些設計都指向同一件事，那就是對既定秩序的反叛，以及對藝術表達與創作自主權的堅持。

Vivienne Westwood 與川久保玲其實都并非學院體系培養出的設計師，但她們都以徹底顛覆行業規則的方式，重新書寫了當代時裝的語言。

一個扎根于倫敦街頭的朋克文化，將反體制的能量注入服裝之中，另一個則從反西方審美和“不完美”的哲思出發，提煉出極個人化的創作路徑。

文化語境雖不同，卻在核心立場上彼此呼應。她們拒絕順從單一的審美規訓和標準，去通過不斷破壞、拆解與重構，讓時裝成為一種思想實踐，而非僅僅服務于穿著功能的設計。

這是一場跨越地域與文化的時裝對話，也是一段關于時尚如何被不斷推翻、重建，并持續向前的生動表演。

The Antwerp Six

安特衛普時尚博物館

2026.03.28-2027.01.17

如果說上面兩位設計師的“同框”，是策展人的天才想法，那么這個在安特衛普時尚博物館，呈現六位設計師作品的展覽——“The Antwerp Six”，便是一次順其自然的歷史回溯，它所講述的就是這六位設計師是如何一次集體行動，去改變了時尚的風貌。

安特衛普六君子這個團體，喜歡時尚，熱愛時裝的朋友們想必再熟悉不過了，它所代表的是上世紀80年代，幾乎同時走出安特衛普皇家美術學院的六位設計師，包括Ann Demeulemeester、Dries Van Noten、Dirk Bikkembergs、Dirk Van Saene、Marina Yee 與 Walter Van Beirendonck。

1986年，這些畢業不久的年輕人，合租了一輛貨車將自己作品帶到倫敦走秀，并一舉震驚了整個時尚界。從此，安特衛普系也成為這個行業里面的一股重要力量，因此也被冠名為“The Antwerp Six”。

如今四十年過去了，依然散發著強大的影響力。而安特衛普時尚博物館也在這個周年程碑之時，即將舉辦這首個專門聚焦這六位設計師的大型展覽，以致敬這個改變了時尚版圖的傳奇團體。

他們并不是代表則某種統一的風格，更像是一種高度分化卻彼此呼應的創作能量。

比如 Ann Demeulemeester 帶著充滿哥特風格的廓形和剪裁，那游走在詩意與陰郁之間的暗黑美學；Dries Van Noten 以近乎奢侈的方式駕馭面料與圖案，去古典和當代共同被高度掌控。

或是像 Walter Van Beirendonck 則用高飽和色彩與實驗性造型，以一種頑童的激進去帶來前衛想象，不斷挑戰時裝邊界。 這次展覽也是希望以更加完整和系統的方式，將他們的創作軌跡共同呈現，從學院時期的風格探索，再到奠定聲譽的作品呈現。

觀眾可以在同一空間完整看到它們彼此的形成、分化和呼應，以及“The Antwerp Six”和這六個名字所代表的，那不同于傳統時裝奢華敘事，而是更概念化、更藝術化，并脫離巴黎和米蘭為主流的歐洲時尚路徑。

Queen Elizabeth II

Her Life in Style

白金漢宮國王美術館

2026.04.10-2026.10.18

比起安特衛普六君子以及解構主義、實驗性剪裁再到文化哲思的時裝實踐，帶來劃時代的創新力量。

在白金漢宮國王美術館（The King’s Gallery, Buckingham Palace）的這場“Queen Elizabeth II: Her Life in Style”，則是呈現了一段真正被載入史冊的歷史光景，也是帶你走進真正的“女王衣櫥”。

據悉，這將會是迄今為止規模最大、最全面的伊麗莎白二世服裝回顧展，圍繞這位英國女王的著裝為線索，結合大量珠寶、配飾和甚至是鮮少公開的設計手稿和原始布料，許多都是英國國寶級的藏品。

時間跨度涵蓋了那些她人生中的重要時刻，從那場皇室世紀婚禮、各個階段的加冕禮再到幾十載的國事訪問……

其中包括了像是大眾所熟知的，1947年 Norman Hartnell 設計的婚紗和 1953 年的加冕禮服，以及她在巴爾莫勒爾堡（Balmoral Castle）度假時會穿的休閑格子裙，或是被大家稱作是調色盤的日間套裝。

展覽中所呈現的不僅是所謂工藝、品味和美學風格，更多是一套高度精密、長期運作的形象建構體系。在這里，服裝更多是作為一種被穿戴權利語言。從色彩的選擇、廓形的尺度，再到面料與工藝的取向，其實都留有清晰，且能被具體解讀的社會與政治意圖。

展覽中還加入了大量檔案、影像與實物資料，去更好梳理伊麗莎白二世在位時間里，是如何借助著裝策略，持續塑造出穩定、克制且極具辨識度的公眾形象，甚至你可以將其看成現代君主制運作方式的重要側面。

一方面是回溯了伊麗莎白二世鮮明而標志性的個人風格，而另一方面也讓公眾更好了解皇室與其所處時代的演變。

在其漫長而卓越的在位生涯中，她的著裝無疑已是高度象征性的公共形象，成為時代記憶的一部分，一種經過精密計算，承載著外交禮儀與文化呈現的時尚標簽。

Schiaparelli

Fashion Becomes Art

維多利亞與阿爾伯特博物館

2026.03.21-2026.11.01

如果要說最早，也是最全面打通時裝和藝術間的壁壘的存在，或許許多人都會想到傳奇設計師 Elsa Schiaparelli。

或許你對她跨界先驅的名號有所耳聞，但倫敦維多利亞與阿爾伯特博物館（V&A）將于 2026 年 3 月 28 日推出的英國首個大型 Elsa Schiaparelli 回顧展——“Schiaparelli: Fashion Becomes Art”，就是你去以完整體系去近距離了解她，以及她對于時尚界和藝術界影響力的最好去處。

展覽共展出 200 余件藏品，包括品牌各個時期的檔案珍藏、還有珠寶以及香水，以及來自同她合作過的藝術大家的作品。

作為 20 世紀最早開始與超現實主義藝術家展開深度合作的設計師之一，Elsa Schiaparelli 在 1920 至 1950 年代間，以充滿想象和趣味的設計，不斷沖擊高級定制的邊界和規則，大膽地推動時尚與藝術的結合。

展覽以通過她與 Salvador Dalí、Jean Cocteau 、Pablo Picasso、Man Ray 等等藝術家的合作為核心線索，清晰呈現出這段開創性且多元化的創作階段中，高級時裝是如何從量體裁衣，邁向更藝術的創作媒介。

當龍蝦、抽屜、甚至是傷痕都成為她超現實主義時尚美學的一部分，讓服裝成為藝術大師的載體時，帶給傳統時尚圈層的沖擊力，幾乎可以用離經叛道和震撼人心來形容。

藝術被轉譯為大膽的服裝語言，挑戰著上流社會對高級定制的期待，也誕生了諸如龍蝦裙這些最具代表性的作品，也包括同樣與 Salvador Dalí 合作完成的骨架裙以及那頂如倒置高跟鞋造型的帽子等等，這些經典作品也都會在這次展覽同大眾見面。

不僅是出自 Elsa Schiaparelli 的這些藝術級別古董珍藏，這次展覽同樣也呈現品牌現任創意總監 Daniel Roseberry 的作品，包括他為Beyoncé、Kim Kardashian 等明星打造的紅毯戰袍，這也凸顯了品牌如何在不同時代語境中，對品牌其藝術色彩和超現實主義DNA的延續。

既是對品牌創始人與藝術大師合作成就的致敬，也是在回看時尚如何以跨時代的方式，被持續視為一種藝術表達。完整呈現著 Elsa Schiaparelli 這位時尚藝術融合家，如何以服裝去與藝術水乳交融，為當下跨界趨勢提供了清晰的歷史脈絡。

Costume Art

紐約大都會藝術博物館

2026.05.10-2027.01.10

Met Gala 作為時尚界每年的最大的盛事，素有時尚奧斯卡之稱，這也讓與之“配套”推出的時尚主題展覽受到空前關注，你用“年度時尚展覽”去形容也毫不為過。

前不久，今年 Met Gala 主席名單聯合主席名單也是得到公布，那陣容簡直絕對重量級，包括奧斯卡影后Nicole Kidman、著名網球運動員 Venus Williams 以及闊別十年后首次回歸 Met Gala 的天后Beyoncé。

今年的展覽主題，同樣也得到公布——“Costume Art”。不同于以往的宗教、科技、中國風格等主題，這個“服裝藝術”顯得是特別大，且十分學術性，讓人不得不好奇，它究竟是要講述什么？

這次展覽也是為了慶祝全新的 Condé M. Nast Galleries 正式啟用，這個展廳位于大都會藝術博物館大廳旁、專為時尚藝術而設置，這是大都會博物館首次將如此核心的位置給予時尚展示。

據策展人 Andrew Bolton 所解釋，“Costume Art”展覽會通過服飾與博物館收藏的繪畫、雕塑等作品共同呈現的形式，去表達服裝藝術的最本源，也就是身體如何被服裝塑造，以及服裝如何反作用于身體。

以身體作為敘事原點，同時也是對身體所有形態的慶祝，展覽將劃分為多個章節，包括裸體、生育、衰老、身體解剖，以及抽象與再生的身體形態。

這種以身體形態而非線形時間或風格線索的結構，無疑是帶來了一種有別于傳統時裝展覽的觀看路徑。其實時尚本身就是藝術，而它之所以獨特，其實正源于與真實身體之間不可分割的關系。

這次規模也可以稱得上歷代級，由大都會藝術博物館各個策展部門聯合參與，從館藏中橫跨五千年的藝術作品出發，梳理不同時代文物與藝術品中關于“身體”的描繪方式，從而建立起歷史與當代、藝術與時裝間的完整對照。

可以預見，此次新展不僅重新劃分時尚在大都會藝術博物館的展覽版圖，同樣也會在更廣泛的層面上，引起大眾對時尚與身體、藝術之間關系的討論。

2026 年的這些重量級的時尚展覽，并不是簡單的懷舊敘事，而是在回望與前瞻之間搭建起一條清晰的時間軸。

既向那些塑造過時代審美的創作時光致意，也將目光投向尚未到來的未來。

從 Armani 克制而精準的優雅，到 Vivienne Westwood 與川久保玲的對話間的彼此反叛。無論是英國王室服飾中嚴謹有序的禮儀美學，還是 Schiaparelli 那超出她所處時代的藝術實驗。

每一場展覽，都是一段過往歲月或是一種時代精神，高度總結后的表達。這也讓那些傳奇故事并未真正告別，而以展覽形式被重新呈現、反復討論，并去影響之后更多的人和作品。

2026年里這些或是已經到來，或是即將開啟的展覽，也許也能夠讓你用全新視角，去了解和感知你所熟知的以及想要深入的時尚故事。

人們口中的黃金歲月或許已經謝幕，但它所沉淀下來的精彩和傳奇，也在通過這些展覽，持續閃著光。

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本期文字助理：Milo