假裝文藝的電鋸人，為動畫找回尊嚴

作者 / 千鳥足

編輯 / Pel

排版 / Rinz

“‘電影感’并沒有被完全放棄，不妨說中山龍嘗試將《電鋸人》打造成寫實文藝片，而吉原達矢則把《蕾塞篇》調整為更‘藤本樹’的B級片。”

12 月 9 日，《電鋸人劇場版：蕾塞篇》終于在萬眾矚目中登陸流媒體平臺，收獲如潮好評。

這部制作成本約10億日元的動畫，自九月上映院線以來已狂攬250億日元票房；其口碑一路飆升，沖入Bangumi排行榜第70名，在MyAnimeList更是達到了驚人的第2名。（截至1月9日）

在動畫學術趴年度最佳動畫電影人氣票選中，它也拔得頭籌——《蕾塞篇》能在極短的曝光時間內獲得如此驚人的反響，既因為過硬的質量，也因為其先天自帶的流量。

2022年，《電鋸人》TV版甫一播出便飽受批評，監督中山龍的爭議性發言也被推上風口浪尖——他曾宣稱TV版將是很有“電影感”的作品，漫畫式的表現則要“全部剔除”。而《電鋸人》最終以1735卷的BD銷量慘淡收場（同期的《孤獨搖滾》有16793卷），中山龍也因此被打成“甲級戰犯”。

在此背景下，《蕾塞篇》的上映便不僅是劇情的延續，更是基于TV版展開的“修正”實驗。從結果上看，這場實驗顯然是成功的，輿論也樂于將成功歸結于作品的“臨陣換帥”——《蕾塞篇》的監督由中山龍換成吉原達矢。

但這究竟帶來了什么不同？它是《蕾塞篇》能夠一雪前恥的唯一原因嗎？當它以電影的形式贏得巨大成功時，它營造的是怎樣的“電影感”？

本文將從視覺語言、文本敘事和聲音設計的角度，探討《蕾塞篇》做出的改變和創新。

01

視覺

要討論《蕾塞篇》的改動，首先要解構TV版爭議的核心——中山龍的導演方法論。

中山龍試圖在TV版中踐行一種激進的“去動畫”策略。

他曾在訪談中直言作品“不要太有動畫質感”、“漫畫式的東西用漫畫來享受就好了”、“在作品里加入寫實感和電影感的精髓的話，就會變成很有趣的作品吧”。

于是TV版便出現了大量漫反射光照和低飽和度色彩，畫面構圖也更近似實拍電影。這種處理方式雖然賦予了畫面一種沉穩的質感，但卻犧牲了原作中高對比度的視覺沖擊力。

第一卷封面、漫畫彩頁與動畫對比

該策略的另一處表現，是對動作真實性的苛求。

中山龍還提到“不需要特意去描繪非常獵奇的東西，只是展現實際會看到的情形”。然而《電鋸人》廣受贊譽的一大亮點恰恰在其夸張荒誕的表現，因此中山龍的主張顯然與觀眾的設想背道而馳，他把生產力著重用于描繪人物的日常動作，控制了打斗場景的表現，堪稱“好鋼用在刀把上”。

只是，TV版打斗場景的制作似乎還受到場外因素的限制。中山龍提到，TV版在電視上播出，無法篩選廣泛的受眾，因此有必要合理調整視覺表現、避免畫面引起觀眾不滿——從他的角度看，或許具有分級制度的電影本就更適合《電鋸人》的發揮。

在電次變身電鋸人的場面中，動畫版構圖更加松散，壓迫感相對弱

我們也確實能夠看到，《蕾塞篇》在視覺上采用了更加自由的表達方式，它不追求物理上的絕對正確，而致力于更純粹的視覺沖擊。

影片中，對魔特異課對戰蕾塞和臺風惡魔的場景集中展現了這一特點。監督吉原達矢在訪談中提到，他要求這一段“將動作表現再提升兩到三檔”：這一段的戰斗場景更具表現主義色彩，原本精準克制的線條變得粗糲奔放，畫面也會在情緒高潮處發生形變。

同時，該作的配色飽和度更高，更接近原作封面的波普風格，畫面調色也更情緒化。吉原達矢明確提出要讓角色形象更符合原作，因此調整了帕瓦和瑪奇瑪的發色和眼神高光。

左TV版 右劇場版

對于本片極具特色的爆炸場景，吉原在常見的爆炸色（橙色和黃色）中選取了更鮮明的色調，并會根據場景的需要對爆炸效果適當調色，避免觀眾產生審美疲勞。

常規的爆炸色更加鮮明

戰斗時的爆炸顏色更加豐富，使場景炫目華麗

可以說，以上這兩點處理使《蕾塞篇》的視覺風格更接近于漫畫，充分還原甚至放大了原作看似潦草、表現力卻很強的特點，也回應了觀眾的期待。

新釋出的刺客篇pv高度復刻了漫畫原封面，也表現出對這一策略的延續

但需要說明，吉原達矢并沒有將TV版的制作方法全盤否定，我們仍然能在《蕾塞篇》中看到中山龍的痕跡：影片中部分畫面頗具實拍手持鏡頭特有的運動感；即便“電影感”一詞飽受爭議，影片強烈的迷影特質也并未因此削弱；而無論是本片的色彩腳本師RIKKU，還是吉原達矢點名表揚的主動畫師莊一，都是中山龍培養出的新銳力量。

“電影感”并沒有被完全放棄，不妨說中山龍嘗試將《電鋸人》打造成寫實文藝片，而吉原達矢則把《蕾塞篇》調整為更“藤本樹”的B級片。

02

敘事

除去令人大飽眼福的戰斗場面，《蕾塞篇》的另一大亮點在于其優秀的敘事。

在原作中，蕾塞與電次的邂逅堪稱最具浪漫色彩與悲劇張力的篇章之一，動人的故事基底已經能使《蕾塞篇》的制作贏在起跑線上。更加如虎添翼的是，這段故事找到了最適合它的影視改編體裁——電影。

在影視創作中，一部作品的篇幅長短與其故事內容高度關聯且相互影響。若我們將影視體裁簡單分為劇集和電影（包括短片）兩大類，便能夠發現二者在劇本創作上的側重各有不同。

前者體量大、能夠傳遞更豐富的內容；其故事以“集”為單位組成，觀看上有斷裂感，無論是各自獨立的單元劇還是層層推進的連續劇，都需要在時間較短的“一集”中講好一個或幾個相對完整的小情節（包括拋出懸念），切忌戛然而止；而后者體量較小，適合觀眾一氣呵成地看完，往往講求用較長的單位時間講一個完整的故事。

示意圖由Nano Banana輔助生成

在此基礎上，我們對比《電鋸人》TV版和《蕾塞篇》的敘事模式。

12集的TV版承載更長的時間線，呈現了原作1-5卷的內容，因此不免有篇幅要承擔建制和過渡的作用，每集20分鐘的長度也限制了改編自由：部分單集可供改編的原作情節較少，提前加入下一話的內容又有失故事的完整性，劇情節奏便容易出問題——在改編時合理調整原情節的先后順序或適當加入原創內容是避免此狀況的良好手段，但這似乎并未在TV版中得到有效運用。可以說，TV版的高潮段落本就不夠飽和，配上相對沉悶的觀感，更讓薄弱的劇情雪上加霜。

相對地，漫畫中的“蕾塞篇”是一個長度適中、劇情相對獨立、起承轉合結構完整的故事，它的體量改編成電影再合適不過。《蕾塞篇》的劇情設計和時長分配也向我們證明：本次的腳本團隊充分意識到了這段故事與電影體裁的適配性，并成功地將原作改編成了一個非常工整的三幕式電影。

在劇作法中，我們一般認為一部三幕式電影時長100-110分鐘，第一幕和第三幕各占25分鐘，第二幕則有50-60分鐘。其中重要的劇情節點往往有特定的出現時間，它們可能會因為具體情節而提前或延遲出現，但誤差基本不超過10分鐘。

此處借用了《救貓咪》的劇作節拍理論，該理論固然在劇作界存在一定爭議，但確是幫助我們分析大部分商業劇本的有效工具

就影片具體而言，本片全長100分鐘，第15分鐘蕾塞正式出場（催化事件）；第25分鐘電次答應和蕾塞去學校，對瑪奇瑪的癡迷產生動搖（進入第二幕）；第48分鐘蕾塞咬斷電次的舌頭，劇情急轉直下（中點）；第76分鐘電次身處墜樓邊緣，蕾塞說出“是時候結束一切”（一無所有）。

因此，《蕾塞篇》固然是充滿“血色浪漫”和自由想象的故事，但如果仔細分析，這段瘋狂故事實質上有一套精密的劇作邏輯在支撐其運轉，這同樣是不能忽略的。

如將近期同樣火爆的《鬼滅之刃：無限城篇第一章》與《蕾塞篇》進行對比，這點就會更加明顯。

《無限城篇》的原作篇幅極長，每場戰役幾乎同時展開，前后缺乏劇情承接關系，更多是因觀察視角的限制而不得不分開敘述，這導致電影改編時更難編排情緒和沖突的起伏，影片結尾也有強烈的未完成感：比起看“完”一部電影，觀眾更像是不間斷地看了許多集番劇。

此外，劇場版還對漫畫的未盡之處做了充分的發揮，在忠實還原劇情的同時，對關鍵場景進行了細膩的原創擴充，感官刺激和浪漫氛圍都得到了放大。

泳池段落堪稱這方面的代表。從篇幅和分鏡上看，蕾塞教電次游泳的情節在漫畫原作中的重要性并不是最高，劇情功能也更偏向“賣福利”，但該情節在劇場版中的呈現卻堪稱驚艷，甚至成為了全片最重要的高光段落之一。

該段落的展開始于場景切換，蕾塞邀請電次“去涼快一下”，二人從教室來到泳池。在漫畫中，這一頁更側重于描繪電次對“好生活”的困惑和糾結，甚至用三格連貫描繪了電次低頭思考的動作，而蕾塞沒有動作和表情，她發出邀請仿佛也只是為了“推動劇情”。

但劇場版顯著提高了蕾塞的主動性，電次的動作遠離畫面中心，取而代之的是蕾塞在思考時的特寫鏡頭，隨后，蕾塞把手撐在桌上，俯身到電次耳邊對他發出邀請：這讓漫畫里漂浮在空中的臺詞被驟然拉到了兩人極小的社交距離中，不僅強調了蕾塞的引誘動作，也提前制造了曖昧的氛圍。

此后原作以一個較大的畫格來交代泳池的全景信息，而劇場版卻選擇先用四個鏡頭分別展示場景中的不同細節：

首先呈現水面和蕾塞的倒影，她撥弄池水的動作又一次強調了她的主導地位；兩個空鏡頭渲染靜謐氛圍；一個蜘蛛織網的鏡頭暗示危機潛藏。在這里，比起交代信息，劇場版更想要塑造場景中的神秘吸引力。

此外，劇場版還將電次掙扎的心理活動風格化，強調其內心的搖擺。他的緊張表情和蕾塞的邀請反復形成對照，更凸顯二人之間的情感拉鋸。

正是在這樣的鋪墊下，電次下定決心跳入水中的動作才盡顯釋放和升華——段落由此走向情緒高潮，二人沉浮于水面上下追逐嬉戲，結合愈發抒情的配樂，呈現出前所未有的“純愛”。

而以上鏡頭又與蜘蛛捕食飛蛾的鏡頭交叉剪接，營造出既危險卻讓人難以自拔的浪漫氛圍。

通過對原有內容的補足和重新開發，泳池段落得以從一個福利橋段提升為暗喻兩人關系、增強影片悲劇色彩的重要段落，這同樣體現出了《蕾塞篇》在改編技巧上的出色之處。

03

聲音

需要承認，泳池段落的成功還要得益于當段配樂《In the Pool》，進一步說，配樂整體質量的大幅提升對整部影片的成功都有重要作用。

作為近年來炙手可熱的動畫配樂家，牛尾憲輔在《電鋸人》TV版中的表現有些不盡人意。觀眾的主要批評包括但不限于“音畫不匹配/音樂節奏和畫面動作不同”、“音樂放一段停一段”、“燃不起來”等等。

當然，以上問題并不能歸咎于牛尾一人。在接受雜志《Quick Japan》的采訪時，牛尾憲輔提到，自己的創作需要高度配合導演的意圖和視覺風格：

中山龍對音樂的要求非常明確，他不想要每個角色都擁有色彩鮮明的主題曲，當牛尾提議使用更加抓耳的旋律時，他常常會搖頭反對，最終牛尾選擇讓觀眾“通過音色和音調來感受情感，而非僅僅通過旋律本身”。

但在中山龍的干預下，TV版的OST似乎并沒有達到預想的藝術效果：整張專輯有較為明確的核心概念，聽感上卻相對單調；許多曲目的情緒色彩不強，也不如觀眾所預想的那樣“邪道”，部分曲目甚至燃得有些“王道”。

而《蕾塞篇》的音樂制作則走向了相反的方向。劇場版的OST在情感表達上更加大膽和飽滿，承載的情緒種類也更為多元：

《Stroke of Genius》詼諧幽默、《Our Film》柔和曖昧、《In the Pool》浪漫抒情、《Parallel Lines》緊張懸疑——幾乎每一首配樂都有鮮明的風格和色彩，使人只是聆聽音樂就能回憶起相應的畫面。

而戰斗場面的配樂有尤其明顯的進步：擺脫“寫實感”的限制后，牛尾憲輔能夠放開手腳地使用本就“不那么寫實”的合成器。在鼓機和噪音采樣的加成下，相應曲目的電子風格和非常規特質大大突顯，在充分渲染戰斗激烈氛圍的同時又極富動感。

當然，《蕾塞篇》的OST遠不止電子音樂一種風格。牛尾憲輔自幼學習鋼琴，具有扎實的古典音樂基礎，又從初中時開始自學混音，跨界背景使他尤其擅長融合不同風格的音樂，增加多元的質感。

因此，在電子風格之外，影片配樂還呈現出古典音樂的色彩。牛尾憲輔在訪談中提到，對于《電鋸人》來說，“蕾塞篇”難得涉及到了“初戀”和“夏天”這樣轉瞬即逝的主題，很適合用古典風格來表現。

前文提到的《In the Pool》是這其中的代表，這首配樂幾乎全部由原聲樂器演奏：首先由鋼琴引入主旋律，弦樂和管樂次第加入；當音樂推至高潮部分時，多聲部的弦樂極盡抒情，配以長笛應和襯托，更顯如怨如慕；進入尾聲時，鋼琴回歸，營造逐漸冰冷的氛圍。

不同于戰斗音樂的激情恣肆，這段音樂十分典雅，它精煉而生動地概括了蕾塞和電次之間動人而注定無果的復雜關系，為影片增加了濃烈的悲劇色彩。

值得補充的是，牛尾在創作《In the Pool》時特意借鑒了現代俄羅斯鋼琴協奏曲的旋律特色，以呼應蕾塞的過往背景。而在影片末尾，當岸邊向早川秋揭示蕾塞的真實身份時，背景播放的《The Secret》（旋律與蕾塞哼唱的俄語歌曲《ジェーンは教會で眠った》相同）亦有俄羅斯民謠風味。

在音樂之外，聲優的表演策略也發生了變化。

TV版聲優的表演相對克制，中山龍曾經提到，他之所以選擇戶谷菊之介作為電次的聲優，正是因為他“演技中沒有演的成分”，再次凸顯了他對“寫實”的追求；而吉原達矢則在劇場版明確地要求戶谷“把腦袋放空一點，尤其是在戰斗場面”。

由此，《蕾塞篇》的聲優表演整體上更加放飛，這似乎也是為觀眾喜聞樂見的。

04

結語

現在，我們似乎可以嘗試回答開頭的問題。

導演的更換帶來了什么不同？吉原達矢讓《蕾塞篇》從寫實主義轉向了表現主義：

其色彩更加飽滿明亮，并隨人物的心情和場景氛圍產生變化；其動作更顯張力，不惜扭曲物理真實；其音樂更加情感濃烈，致力于將畫面氛圍推到極致。如果用吉原自己的話說，這部作品更像“漫畫原著”。

那么，換導演是《蕾塞篇》逆轉口碑的唯一原因嗎？不完全是。

首先，《電鋸人》的動畫化沒有采取“制作委員會”模式，而是幾乎由Mappa獨立開發，更自主的決策權使Mappa能夠更快調整制作戰略，吉原的迅速上臺也得益于此。

其次，正如前文提到，中山龍的創作資產并沒有被完全抹去，無論是他培養出的人才還是他的創作方針，都仍在《蕾塞篇》中發揮積極作用。

再次，《蕾塞篇》的劇情有其先天優勢，這也為吉原的創作提供了很好的助推。

當然，我們還是可以說，吉原的執導是《蕾塞篇》成功的主要原因，可能也是話題度最高的原因。

再者，作為一部動畫電影，《蕾塞篇》營造了怎樣的“電影感”？

從字面上看，這問題很微妙，因為一部作品若要營造一種電影的“感覺”，恰恰說明它不是一部電影；而一部電影是不必費盡心思證明自己很有電影“感”的，就像我們不會說一個真正的生命栩栩“如生”。

這種微妙暗示著，我們口中的“電影”實際有雙重含義：其一是作為敘事體量的電影，它關乎時長、節奏與結構；其二是作為狹義藝術門類的電影，它在當下的輿論場中往往指真人演出的實拍影像。從作品表現看，中山龍所推崇的“電影感”更偏向后者。

依據這樣的標準，《蕾塞篇》天生符合前一條定義，而在內容上，它找回了更貼合原作的敘事調性，將獨特的視聽與動畫的本體特色深度融合，并從中誕生出了獨有的“尊嚴”——在電影面貌逐漸多元的今天，觀眾們之所以對《蕾塞篇》冠以“Absolute Cinema”的贊美，本質上是因為它帶來了極致的視聽體驗，而非對原教旨主義寫實的執念。

相對地，TV版缺少“尊嚴”嗎？可以這么說。

當中山龍宣誓自己要做一部很有“電影感”的作品時，我們不難想象他心中的洋洋得意，而這恰恰暗示著一種“文化自卑”的心理：在媒介鄙視鏈中，動畫似乎天生處于低位，需要借用看似層級更高的實拍電影來為自己貼金；反過來說，我們并不會“夸贊”一部實拍電影很有“動畫感”。

中山龍在TV版中對“電影感”的偏執追求，就像是試圖跨越鄙視鏈的影像實驗，卻因對原作氣質的轉譯偏差，誤將“克制寫實”等同于“高級”，從而犧牲了動畫媒介最寶貴的生命力。

這絕不是說借鑒其他藝術/媒介就必然導致失敗。需要看到，TV版雖然受到了許多核心粉絲的批評，但整體評價并沒有那么糟糕，其電影化的實驗依然在泛大眾群體中得到了肯定。

在巴哈姆特和MyAnimeList上，TV版評價良好

進一步說，許多作品之所以成功，恰恰因為它對其他藝術形式保持了開放的姿態——與此同時又保持著自身的特質。

《孤獨搖滾》用多種藝術形式豐富自己的演出，但它從不否認自己是一部動畫

或許，我們當然應該警惕那種偷懶式的鄙視鏈崇拜，但也無需以“圣潔衛道士”的心態排斥媒介間的交融探索。當一部作品不再處心積慮地證明自己“像”什么時，它才真正知道自己“是”什么。

好的作品不會在紛繁的標簽中迷失，反而會找到更屬于自己的表達形式：它只需像《蕾塞篇》這樣，在浪漫與血腥的交織中，誠實地演繹出那份獨屬于藤本樹的、自由且癲狂的創作靈魂。

參考資料

1. Chainsaw Man - The Movie: Reze Arc - Box Office Mojohttps://www.boxofficemojo.com/title/tt30472557/?ref_=bo_se_r_1

2.アニメ『チェンソーマン』中山竜監督インタビュー「藤本タツキ先生の底知れなさ、テンションの高さ、あらゆる魅力を表現したい」。【アニメの話を聞きに行こう！】 | ゲーム?エンタメ最新情報のファミ通.comhttps://www.famitsu.com/news/202212/03284286.html

3.(2ページ目)「新しい人にお願いしたかった」アニメ『チェンソーマン』制作に込められたMAPPAの願い | 集英社オンライン | ニュースを本気で噛み砕けhttps://shueisha.online/articles/-/66777?disp=paging&page=2

4.Chainsaw Man : Reze Arc - Interview with Director Tatsuya Yoshihara and Assistant Director Makoto Nakazono

https://en.mantan-web.jp/e_article/20250919dog00m200000000c.html

5.アニメ『チェンソーマン』から解題する劇伴のクリエイティブ、音楽家?牛尾憲輔が語る - QJWeb クイック?ジャパン ウェブhttps://qjweb.jp/feature/81444/

6.劇場版「チェンソーマン レゼ篇」牛尾憲輔インタビュー｜「レゼ篇」劇伴に宿した“振り幅のダイナミクス” - 音楽ナタリー 特集?インタビューhttps://natalie.mu/music/pp/chainsawman-reze03

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