大型風情音畫《白云黃鶴是故鄉》即將首演 三大維度解讀“來武漢必看的一場演出”

4月18日至19日，由武漢市文化和旅游局主辦、武漢歌舞劇院出品的風情音畫《白云黃鶴是故鄉》將在武漢琴臺大劇院首演。這臺集結全市文藝院團、上百位演員的舞臺作品，以“舞蹈詩”為基底，融合古琴、舞蹈、雜技、楚劇、漢劇、民謠、說唱等多種藝術形式，力圖在90分鐘內呈現武漢千百年的文化積淀與城市氣質。它不是傳統意義上的舞劇、音樂劇或綜藝晚會，而是一種被稱為“風情音畫”的全新舞臺形態。

從傳說到煙火：四個篇章里的城市精神

《白云黃鶴是故鄉》以情感遞進的方式串聯起武漢的文化基因，四個篇章分別對應知音、仙蹤、煙火、江河四種精神底色。

開篇“高山流水”從古琴名曲《流水》出發，一葉扁舟載著琴師踏浪而行，無字歌吟與女子舞蹈交織成山水畫卷。隨后二胡、琵琶、竹笛次第登場，以斗琴炫技的方式演繹“巍巍乎若高山，洋洋乎若流水”的知音故事。這一篇章的落腳點在于：知音不是古人的專利，而是這座城市待人接物的底色——重情重義，以心交心。

第二篇章“白云黃鶴”聚焦黃鶴樓的文化意象。多媒體創意舞蹈《鶴舞千秋》運用激光、熒光服飾等科技手段，讓“道人畫鶴”“墻壁飛鶴”的傳說躍然舞臺。楚劇名角余維剛以楚歌韻味演繹崔顥名詩，雜技單手頂演員化作仙鶴在空中起舞。詩詞舞集《名樓懷古》則以油紙傘靜走、水袖潑墨等寫意方式，再現歷代文人登樓賦詩的瞬間。這一篇章試圖回答：詩意從未離開過武漢，它就藏在每一句吟誦里。

第三篇章“楚風漢韻”將鏡頭轉向市井生活。方言說唱《蒜鳥》將方言與RAP混搭，以“算了，都不容易”這句網絡熱詞為核，串聯起熱干面、過早、街頭巷尾的家長里短。城市民謠《漢陽門花園》讓馮翔的民謠與漢劇戲歌跨界對話，唱出老武漢的溫情記憶。女子群舞《橘頌》以楚辭入舞，詮釋“受命不遷”的荊楚風骨。這一篇章的核心表達是：武漢的江湖氣不是刀光劍影，而是街頭巷尾的熱鬧與豁達。

第四篇章“長江漢江”將視野拉升到江河文明。花腔女高音《潮汐》在多媒體影像的“浪花”中翻飛，呈現“唯見長江天際流”的震撼視效。男子群舞《回響》以編鐘為題材，禮贊長江文明的厚重與綿長。歌舞《長江漢江》以鳳凰元素為視覺符號，重現春晚武漢分會場的經典畫面。最后全體演員共同唱響原創主題曲《白云黃鶴是故鄉》，將整臺演出推向高潮。這一篇章的落點在于：兩江交匯不僅是地理事實，更是這座城市兼容并蓄、生生不息的精神寫照。

從古琴的雅致到方言的市井，從傳說的飄逸到江河的壯闊，四個篇章完成了一次情感的回望：觀眾從“聽故事的人”變成“走在街上的人”，最后成為“與江河同在的人”。

跨界與破壁：當古琴遇見雜技，當民謠遇見漢劇

《白云黃鶴是故鄉》的一大看點是多種藝術門類的深度融合。古琴的靜謐與雜技的驚險、楚歌的韻味與民謠的親切、漢劇的程式與說唱的潮流，在同一方舞臺上碰撞出新的火花。這種跨界不是簡單的拼盤，而是基于一個樸素的原則：形式服務于內容，跨界服務于表達。

以古琴《流水》為例。古琴的意境是內斂的、向內的，但如果只是靜坐撫琴，在大型劇場中視覺沖擊力有限。于是主創團隊加入了一葉扁舟的舞臺裝置、無字歌吟的人聲、女子舞蹈的流動畫面——古琴的“靜”與舞臺的“動”形成張力，反而放大了知音相遇那一瞬間的震撼。琴聲是時間，舞蹈是空間，二者疊加，觀眾同時進入了故事的時間縱深與畫面意境。

最難的跨界當屬《漢陽門花園》。馮翔的城市民謠是口語化的、敘事性的，而漢劇戲歌是程式化的、抒情性的。如何讓它們“對話”而不是“打架”？經過多次磨合，最終找到的方式是：讓漢劇戲歌成為民謠的“回聲”。馮翔唱一句，漢劇演員用戲腔回應一句——像對話，像對唱，也像兩個時代的武漢人在江邊相遇，聊起了同一條街。那一刻，傳統不是被供奉的，而是被喚醒的。

科技手段的運用同樣服務于敘事。激光、全息、熒光服飾不是“披在傳統文化身上的外衣”，而是將文字中的魔幻翻譯成視覺上的奇觀。在《鶴舞千秋》中，觀眾將親眼看到“墻壁上的鶴飛起來”的傳說；在《潮汐》中，光影形成的浪花與歌聲、環吊共同營造出大江奔涌的沉浸感。科技在這里不是點綴，而是敘事的一部分——它講述的是江水與這座城市共生的故事。

這些跨界組合的背后，是一種堅定的藝術態度：傳統與潮流并非對立，古老的藝術語言完全可以與當下的審美對話。當二胡、琵琶、竹笛在舞臺上斗琴炫技，當漢劇的腔調被編進方言RAP，觀眾會發現：原來傳統文化可以這么“潮”。

合奏與共生：多院團如何“說同一種話”

這場演出集結了武漢歌舞劇院、武漢雜技團、武漢楚劇院、武漢漢劇院、武漢人民藝術劇院等市屬文藝院團。不同藝術門類的演員們需要在同一套美學邏輯下“說同一種話”。主創團隊建立了一個統一的“美學調性”——明麗、浪漫、別致、詩情。每一個節目，無論是什么形式，都要先過這一關：它是否符合這套調性？如果不符合，就調整，哪怕它是某個院團的“看家本領”。

這種“跨院團聯合作戰”的模式，在武漢文藝史上并不多見。它的意義不只是“人多力量大”，更在于打破院團之間的“藝術圍墻”。歌舞劇院的演員從雜技演員身上學習對身體極限的追求，雜技演員從戲曲演員身上學習韻味與表情，戲曲演員從民謠歌手身上學習“當下感”。這種跨界的碰撞，對每一個參與者的藝術視野都是一次拓展。

對于武漢歌舞劇院而言，這臺演出承載著更長遠的期待。主創團隊希望，《白云黃鶴是故鄉》能成為一個“樣板間”，讓跨院團合作成為武漢文藝創作的常態。如果只能為劇院留下一樣東西，那應該是一套成熟的創作機制——跨界思維、作品意識、梯隊建設。劇目會演過一輪又一輪，人才會流動，但一套高效的、能持續產出好作品的機制，是劇院最寶貴的資產。

在文旅融合的背景下，這臺演出也被賦予了“來武漢必看的一場演出”的定位。武漢每年接待大量游客，但除了黃鶴樓、東湖、咸安坊等，還缺少一場能夠系統呈現武漢文化魅力的劇場演出。《白云黃鶴是故鄉》正是想填補這個空白——讓游客在游覽城市地標之外，還能在劇場里“看”到武漢的靈魂。目前主創團隊正在探討駐演的可能性，舞美、燈光、多媒體都已標準化，演員陣容也有A/B角儲備，如果市場反饋良好，有望實現“周末駐演+節慶加演”的常態化運營。

票務方面也體現了年輕化思路：早鳥“黃鶴早歸”買一贈一、套票“知音共享”雙人約8折，以及限量100份的“黃鶴歸家”盲盒（100元隨機座位，含定制周邊）。這些玩法降低了觀眾的決策門檻，但藝術品質并未降格——觀眾因為“好玩”而來，讓他們“滿意而歸”的，永遠是舞臺上的真功夫。

從知音傳說到市井煙火，從跨界破壁到院團合奏，《白云黃鶴是故鄉》試圖用90分鐘回答一個問題：一座千年城市，如何把自己搬上舞臺？答案或許就藏在主題曲的名字里——“越端詳，越愛戀”。不必遠行，最美就在腳下；不必懷念，此刻就是歸途。