六家畫廊與首屆So~Shenzhen！的藝術對話

首屆So~Shenzhen！藝博會將于2026年3月22日至29日在海上世界文化藝術中心亮相，匯聚全球20余家畫廊與設計工作室。依托前海保稅政策，本屆展會聚焦APEC成員經濟體的藝術實踐，參展藝術家及作品來自澳大利亞、加拿大、中國、印度尼西亞、日本、韓國、新加坡、泰國、美國、越南及其他國家和地區。

在展會開幕前夕，藝術市場通訊對話六家參展畫廊——從扎根中國逾二十年的資深機構，到遠道而來的東南亞及亞洲其他地區的國際面孔。他們如何看待這個“新生”平臺？又為深圳帶來了怎樣的藝術表達？

香格納畫廊

以“大地之聲”回應亞太語境

趙仁輝，《試著記住一棵樹III-世界肯定會崩塌》，2017，LED燈箱，183(H)x1722x40cm (in 14 pieces)，圖片致謝藝術家及香格納畫廊

作為中國當代藝術的重要見證者，香格納畫廊此次以“大地之聲”為主題，將亞太地區的多元語境作為切入點，以此串聯起全球視野與本土經驗之間的深層對話。該主題打破“土地僅為背景”的慣常認知，將其視為一個充滿生命律動和歷史刻度的“發聲體”：風聲、雨水、巖層斷裂等自然元素不僅是物理現象，更是儲存歷史痕跡、回應人類活動的隱喻。通過匯集來自不同地域的藝術實踐，畫廊將土地從靜態的背景轉化為一個持續共振的現場——它既是承載記憶的生態系統，也是社會力量與個體感知交織的復雜場域。

“2026年APEC峰會即將在深圳舉辦，為這座城市提供了一個前所未有的國際語境，也構建了一個跨文化的對話現場。”香格納畫廊認為，這種定位與以往藝博會以本土市場為核心的邏輯有所不同，“它既是深圳看向世界的窗口，也是世界進入深圳的通道。”

阿林·朗姜，《金色淚珠》，2013，單屏影像，鋼架、木板，6000個鑄造黃銅件340(H)x500x500cm，影像時長29’34’’，圖片致謝藝術家及香格納畫廊

阿林·朗姜，《金色淚珠》（局部），圖片致謝藝術家及香格納畫廊

本次香格納帶來的藝術家陣容——阿林·朗姜、阿彼察邦·韋拉斯哈古、黃晨晗、林奧劼、賴宇通、麥拉蒂·蘇若道默、唐大霧、唐茂宏、趙仁輝——恰好覆蓋了泰國、新加坡、印尼、中國等多個APEC成員國。畫廊表示，這正是對“聚焦APEC”這一主題的主動回應：“來自不同文化土壤的藝術實踐在同一主題下交匯，恰好呼應了博覽會所倡導的‘本土洞察與全球探索的動態對話’。”

其中，阿林·朗姜的《金色淚珠》是展位核心作品之一：6000個鑄造黃銅件鋪陳于地面，以泰國傳統甜品“金色淚珠”為起點，“將個人敘事與歷史記憶熔鑄于金屬之中”。麥拉蒂·蘇若道默的行為影像則以身體丈量時間與距離，探討遷徙與棲居；趙仁輝的鏡頭下，自然成為與人類觀念相互糾纏的主體，“探討人類的態度如何塑造我們對自然的認知”。

麥拉蒂·蘇若道默，《24,901英里》，2015 (記錄年份)，單路視頻，影像時長11’26’’，圖片致謝藝術家及香格納畫廊

談及前海的保稅政策，香格納表示：“前海的保稅政策為藝術品流通提供了制度性保障，不僅降低了交易門檻，也簡化了跨境流程。過去操作層面的復雜與不確定性，往往成為藏家決策時的隱性阻礙；政策落地后，藏家能更專注于作品本身的價值判斷。”

去年12月，香格納在平安金融中心云際觀光層舉辦“隙語浮步”展覽，將三十余位當代藝術家的作品帶入城市制高點。在畫廊看來，“當藝術走出傳統展場、進入城市日常空間，這種輻射廣度的拓展，正是深圳藝術生態日漸活躍的縮影，也是我們持續努力的方向”。

大田秀則畫廊

一場跨越媒介的當代藝術對話

作為深耕亞太地區的國際畫廊，大田秀則本次呈現12位藝術家的最新創作：唐狄鑫、瑪麗亞·法拉、半田真規、哉昆寧、草間彌生、林榮華、竹川宣彰、陳維、尤阿達、黃漢明、樫木知子與陳國良。他們的實踐涵蓋布面丙烯、蠟染、水彩、航空織物丙烯及窯磚雕塑等多元形式，展現出豐富的藝術面向與實驗精神。

瑪麗亞·法拉，《草莓和奶油》，2025，紙本粉彩，41.9 x 29.5 cm，?瑪麗亞·法拉，圖片致謝大田秀則畫廊（上海/新加坡/東京）

在畫廊看來，深圳作為科技與設計之城，近年來“當代藝術領域的新能量正在強勁涌現”。他們期待So~Shenzhen！能夠成為“連接國際畫廊與藝術家，同時將深圳與更廣闊的亞太區域鏈接起來”的文化交流平臺。同時，畫廊也表示：“前海的國際交流政策與保稅制度對海外畫廊極具吸引力，它們讓藝術品的展示與流通更加順暢。這不僅便于與現有藏家深度互動，也創造了連接新觀眾的機會。”

尤阿達，《更好的選擇 1》，2023，布面丙烯，120 x 120 cm，?尤阿達，圖片致謝大田秀則畫廊（上海/新加坡/東京）

談及深圳藝術生態的演變，畫廊觀察到：“近年來，深圳的觀眾與藏家正變得越來越成熟，對自己眼光越發自信。他們對多元媒介與觀念實踐的開放性日益增強，也更愿意在更廣闊的文化語境中接觸國際當代藝術。”面對深圳年輕、多元的藏家群體，大田秀則準備了從攝影、紙本到更成熟藝術家雕塑的多層次作品，為不同觀眾創造多元的收藏入口。

哉昆寧，《黑暗中植物的秘密7》，2023，蠟染、鉛筆、墨水，59.3 x 43.5 cm，?哉昆寧，圖片致謝大田秀則畫廊（上海/新加坡/東京）

對于科技企業入局藝術，大田秀則認為，“科技公司參與文化項目是深圳的鮮明特色，除了創造新的展覽空間與項目，這一趨勢為科技與藝術的對話與合作打開了新的可能。它將為藝術市場引入新的動態，拓展深圳及中國各地藝術的呈現方式以及觀眾與藝術互動的途徑。”

半田真規，《鯨》，2021，水彩、油畫棒，159.2 x 76 cm，?半田真規，圖片致謝大田秀則畫廊（上海/新加坡/東京）

星空間

攜張偉個人項目首度參與深圳本土藝博會

這是星空間首次參與深圳本土藝博會。創辦人房方表示，主辦方對展覽品質的嚴格把控是他們選擇參展的重要原因。此次他們帶來藝術家張偉的個人項目，深度契合APEC主題——美國是APEC發起成員國，而張偉曾在紐約旅居近20年，其藝術實踐與美國文化及社會語境有著深度聯結。“這一獨特視角以往常被忽視，我們希望借助本屆藝博會，為觀眾打開全新的觀看維度，重新解讀其創作。”

張偉，《PWMC14001》，2014，亞麻布油畫，320 × 490 cm，致謝藝術家與星空間

展位亮點是巨幅繪畫《PWMC14001》，作品名取自“Painting with Motorcycle”的英文縮寫。張偉以哈雷摩托車在畫布上摩擦、碾壓，完成抽象繪畫創作——這是他2005年從美國回到北京后，重啟抽象藝術探索的重要轉折點。這幅作品以純色亞麻布為基底，運用純粹的紅色，擺脫了其摩托車繪畫早期對圖像的依賴，邁向更趨本質的抽象表達。

張偉，《PWMC31》，2013，紙本油彩（《北京商報》），54 × 38 cm，致謝藝術家與星空間

房方提到，張偉的作品曾多次亮相香港M+美術館。“作為亞洲極具影響力的當代藝術機構，M+不僅為區域藝術發展樹立了專業標桿，更在大灣區的藝術傳播與審美引領中發揮著重要作用。我們展出的張偉紙本繪畫及裝置繪畫，也特別適合入門級收藏家一試身手。”

張偉，《Z-AC1767》，2017，水彩紙油畫，56 × 76 cm，致謝藝術家與星空間

張偉，《ABS4》，2014，油彩，鋼鍬，40.6 × 22.3 × 8 cm，致謝藝術家與星空間

對于深圳藝術生態的變化，房方觀察到：“從去年香港巴塞爾前‘深圳藝術周’的正式啟動，到今年So~Shenzhen！的首度舉辦，一系列重磅藝術活動接連落地，不斷印證著這座城市持續攀升的藝術熱度。”談及科技大廠入局藝術，他表示：“科技大廠紛紛入局當代藝術，并普遍啟用了具備深厚專業背景的領軍人物掌舵，這必將對中國當代藝術的價值梳理與體系重塑產生深遠的影響。”

獅語畫廊

女性藝術家的多面性

獅語畫廊此次參展帶來Mel Davis與Anna Nezhnaya兩位70/80后女性藝術家的作品。項目總監張侹笠表示，選擇這兩位藝術家“正好呈現了一個有趣的對比：當代女性藝術家如何從‘被觀看者’變成主動的‘表達者’”。

她詳細解讀了兩位藝術家的創作路徑：來自加拿大的Mel Davis，“她的創作像在畫布上寫日記——通過反復拼貼和覆蓋，把記憶與情緒層層堆疊，讓看不見的內心世界變成看得見的風景”，此次展出的《Double Mirror（White）》正是這一創作方式的典型呈現。而來自俄羅斯的Anna Nezhnaya，“她用霓虹燈重新演繹奧菲莉亞、美杜莎這些經典形象。古老神話被放進冷光里，多了一份賽博朋克式的挑釁感”，她的作品《Ophelia》將古典題材注入當代媒介，獲得全新生命力。

安娜·內扎娜婭, 《奧菲莉亞》, 2026, ，布面漆料油畫、霓虹燈管, 153 x 270cm，致謝藝術家與獅語畫廊

張侹笠認為，兩位藝術家的并置形成了一種深刻的對話：“一個向內探索內心，一個向外重新定義經典。兩種路徑，都在討論‘女性氣質’的多面性——可以溫柔靜謐，也可以閃亮有力。她們作為當下創作的中堅力量，以獨特的敘事與多元的材料探索，敏銳回應時代議題。其作品兼具觀念深度與視覺張力，相信能與深圳年輕、視野開闊的藏家產生深度共鳴，也為初入收藏的愛好者提供了充滿活力的選擇。”

梅爾·戴維斯《雙鏡（白色）》，2020，布面油畫，55.9 x 71.1 cm，致謝藝術家與獅語畫廊

“深圳是大灣區的重要樞紐，擁有活躍的收藏群體。”張侹笠觀察到，“深圳藏家正經歷從‘空間裝飾’到‘精神共鳴’的深刻轉變。新一代藏家更關注作品背后的觀念與敘事，收藏視野日益開放，對當代藝術的接納度與熱情顯著提升。藏家群體的年輕化與專業化，正推動深圳藝術生態邁向更富活力與思想性的新階段。”

梅爾·戴維斯，《手與花1》，2025，布面油畫，20.3 x 25.4 cm，致謝藝術家與獅語畫廊

安娜·內扎娜亞，《白日夢》，2025，布面漆料油畫，150 x 84 cm，致謝藝術家與獅語畫廊

同時，科技與藝術的交融為深圳藝術生態帶來了新的活力。“獅語畫廊歡迎這種‘科技賦能藝術’的趨勢，它推動了藝術展示、傳播與體驗方式的創新，為本土及國際藝術創作提供了更廣闊的平臺。這有助于吸引多元觀眾、激發跨界對話，為深圳乃至中國的藝術市場注入新動能，促進更開放、動態的藝術生態系統的形成。我們期待與各方攜手，共同探索藝術未來的更多可能。”

作為首屆“So Shenzhen！”的參與方之一，張侹笠表示：“我們十分期待這個全新平臺帶來的機遇。‘So Shenzhen！’明確的策展理念與分區規劃，將商業與學術有機融合，為畫廊和藏家創造了深度互動與對話的新場域。我們期待借此更緊密地連接深圳及大灣區市場，共同探索藝術與城市的未來能量。”

PICNIC

藝術討論回到東亞主場

PICNIC于2026年在上海成立，是一家秉持“自由與開放”核心理念的項目制當代藝術畫廊。畫廊以靈活多元的方式與藝術家深度合作，并致力于發掘新興創作者，在瞬息萬變的市場中傳遞藝術的能量與溫度。

此次參展首屆So~Shenzhen！，PICNIC帶來藝術家方巍的個人項目“序章：影的告別”，集中展出方巍最具代表性的繪畫作品，以“色彩的獨立性”為切入點，探討繪畫感知的邊界與情緒外化的關聯性。畫廊創始人Piu表示，選擇方巍，是因為他的作品中“有獨屬于東亞人文的氣韻和哲學思考”。

展覽圍繞“影”對“形”的告別展開，實則是色彩對自由的渴望，同時是一場對自我認知的釋放。“而這在高速發展中能夠讓人保持自省、在技術洪流中追問人性的力量。所以這次的挑選作品及展陳設計，是希望觀眾不只是‘看畫’，而是‘感受藝術家的內心世界’。”

畫廊創始人將參展視為一次尋找“同頻者”的旅程。“最大的期待是能在這個平臺上遇到‘同頻’的人，無論是藏家、策展人，還是其他敢于嘗試新模式的同行。”在Piu看來，So~Shenzhen！的定位本身就很特別，“它是更開放、活力、自由、更貼近深圳這座城市的脈搏。有別于傳統藝博會注重‘展示’和‘銷售’，在這里我覺得是‘對話’，它更具有開拓性和實驗性。”

方巍，《人臉》，2025，布面油畫，34 x 28 cm，圖片致謝PICNIC

Piu還談到，“這次選擇參與So~Shenzhen！，除了平臺本身的新銳氣質，‘聚焦APEC成員經濟體’這個定位特別打動我。因為我個人一直長期關注東亞藝術與文化發展，從日本物派到韓國單色畫，從中國當代到東南亞新銳藝術，這些年我都在持續研究。”在她看來，這不僅僅是一個“政策紅利”，更是一個“文化回家的信號”。“它意味著我們終于有一個平臺，可以去認真討論‘東亞藝術的共同基因’，而非永遠以西方為標準。”

關于深圳藏家近年來的變化，Piu總結為兩點。一是“從‘感性沖動’到‘理性審美’的轉變”。幾年前，很多藏家可能更看重“這位藝術家在別處賣得怎么樣”。但現在，尤其是深圳的年輕藏家，他們更相信自己的判斷。“他們會花時間了解藝術家的創作脈絡、作品背后的觀念，甚至會和你討論‘這件作品在我的空間里會產生什么對話’。”二是“審美自信”的建立。“深圳不再只是藝術潮流的追隨者，而是在定義屬于自己的審美——更科技、更現代、更敢于嘗試。這種‘深圳審美’，正在悄悄影響全國的藝術市場。”

方巍，《河邊》，2018，布面油畫，105 x 150 cm，圖片致謝PICNIC

方巍，《高山流水下》，2019，布面油畫，140×210 cm，圖片致謝PICNIC

對于科技大廠入局藝術的新趨勢，Piu表現出濃厚的興趣。“我特別關注這個趨勢，有讀到有關馬化騰關于融美術館的報道，它將融入城市公共生活的文化中心。從傳統的知識生產型美術館轉變為一個學習型機構，這令人很期待！”她認為，像京東、騰訊這樣的大廠進入藝術領域，帶來的不僅是資金，更是“科技思維”——如何讓藝術更可觸達、可交互、可傳播。“對深圳而言，這種‘科技+藝術’的融合，可能會催生一種全新的藝術形態。同時，收藏的定義也在拓寬。未來，藏家收藏的可能不僅是一件‘藝術品’，而是一種‘體驗’、一種‘感受’、一段‘可生長的關系’。”

Vin Gallery

跨文化語境的藝術實踐

Vin Gallery始終關注跨文化語境中的藝術實踐。上海空間經理Yvonne Xu表示，他們期待So~Shenzhen！成為“具有區域鏈接性的文化節點，而不僅僅是交易平臺”。“相比許多以市場效率為導向的藝博會，So~Shenzhen！更強調國際交流與區域流動性。深圳本身處于多重文化與經濟網絡的交匯處，或許這種城市結構使其具備成為亞洲藝術實踐重要連接點的潛力。”

梁宇玨，《綠湯》，2021，單通道視頻，超 8mm 膠片轉錄高清影像，彩色，有聲，4 : 3，9分21秒，5+2AP ? 2021 Vin Gallery. All rights reserved.

本次展位匯集三位來自不同語境的藝術家。梁宇玨的影像作品《Green Soup》以藍藻為敘事起點，將深層地質時間與“人類世”并置；越南藝術家Ng?c Nau將個人歷史片段輸入生成系統，“使AI成為參與記憶建構的一種媒介，在經驗與算法之間形成持續游移的視覺狀態”；日本藝術家Yohei Yama則以“線”為單位，將繪畫理解為“在時間中生成的空間結構”。

山洋平，《阿鵲》，2025，布面丙烯和墨水，120 cm x 80 cm ? 2025 Vin Gallery. All rights reserved.

對于為深圳市場準備的藝術“驚喜”，Yvonne表示，“我們通常不會以‘為某個市場特別準備作品’的方式進行展品的選擇，但會思考作品與城市氣質之間是否能夠形成自然的關聯。”她認為，深圳藏家長期處在科技與創新產業的環境中，對跨媒介的藝術實踐具有更高的敏感度，“這次展位在媒介結構上呈現出一種相對開放的組合——影像、繪畫與觀念實踐并置，期望讓不同的觀看路徑在同一空間中展開”。

作為一家從越南出發的畫廊，Vin Gallery觀察到：“東南亞當代藝術正在逐漸進入中國觀眾的視野。越來越多機構展覽、畫廊項目開始涉及這一地區的藝術實踐。這種變化反映出中國觀眾的觀看框架正在被重新打開——從過去集中于歐美或本土藝術史，逐漸拓展到更廣泛的亞洲文化語境。”

玉瑙，《西方最佳》，2025，有機玻璃、木框、LED，130cm x 55cm x 2.5cm ? 2025 Vin Gallery. All rights reserved.

對于科技賦能藝術，Yvonne認為技術正從工具層面進入方法論層面：“隨著科技機構進入藝術領域，藝術的生產、傳播與收藏結構都可能發生變化。對于深圳而言，這種跨界互動可能孕育新的文化生產模式。”談及前海的保稅政策，她表示：“更清晰的跨境流通機制，使藝術作品在區域之間的移動變得更加順暢，也為國際畫廊與藏家之間建立長期關系提供了制度基礎。”

出品人： 董瑞、吳雙

采訪、撰文、 版式設計： Tina

審校：王欣然